Что случилось в контакте с музыкой: «ВКонтакте» ограничит бесплатное прослушивание музыки — она будет доступна только со включённым экраном или на ПК Статьи редакции

Содержание

VK запускает приложение VK Музыка на основе BOOM

30 ноября 2021 11:22

VK запускает отдельное приложение для прослушивания музыки, которое объединит музыкальные библиотеки VK и Одноклассников.

Новое приложение VK Музыка будет существовать отдельно от основного приложения VK, как раньше существовало с той же целью приложение BOOM.

Приложение должно сделать прослушивание музыки более удобным для пользователей. Например, через него можно получить быстрый доступ к своей медиатеке ВКонтакте и в Одноклассниках. Треки можно слушать онлайн и офлайн. В приложении есть тысячи плейлистов, включая бесконечный микс, который будет подстраиваться под вкусы и поведение пользователя.

Искать новую музыку можно будет на бесплатных радиостанциях. Кроме того, в приложении будет настроена алгоритмическая рекомендация плейлистов от других пользователей на основании совпадения общих вкусов. Как отмечает пресс-служба VK, такая технология уже используется в алгоритмических плейлистах VK Музыки: количество их прослушиваний за год выросло на 54%.

Совершенно новым сервисом станет VK Студия, направленная на музыкантов. Инструменты студии помогут с монетизацией, продвижением новых релизов и мероприятий, продажей билетов на концерты прямо из VK Музыки.

VK Музыка доступна без подписки с рекламой, а также без ограничений с подпиской VK Combo. В пресс-службе сообщили, что музыка никуда не исчезла из приложения и VK и её можно продолжать слушать здесь, также с рекламой либо по платной подписке.

Заменит ли телеграм стриминг-платформы? — Афиша Daily

Рекорд-индустрия в России переживает кризис: Spotify отключил премиум-подписки, Apple Music нельзя оплатить картами Visa и MasterCard, а Deezer и вовсе ушел с рынка. Владимир Завьялов порассуждал о возможном «импортозамещении» западных стримингов российскими площадками, а также обратился к экспертам с вопросами в этой связи.

Как выглядел наш музыкальный рынок до февраля 2022 года

В апреле 2017 года «ВКонтакте» открыла полноценный стриминговый сервис с платной подпиской — неофициально именно эту дату можно назвать точкой отсчета начала стриминг-революции в России. По сути, в России впервые образовался здоровый рекорд-рынок, который не раздирало физическое и интернет-пиратство, как это было прошлые двадцать с лишним лет.

К 2017 году в России уже работали «Яндекс.Музыка» и Apple Music. Финальной итерацией в строительстве полноценной рекорд-индустрии в России стал приход в 2020 году Spotify — мирового лидера на рынке рекорд-платформ. По данным исследования Deloitte «Медиапотребление в России-2021», опубликованного в сентябре прошлого года, Spotify в России пользовались 36% платных пользователей. При этом лидером на рынке платных подписок была «Яндекс.Музыка» (59%), а третье и четвертое место заняли YouTube Music и Boom (бывший сервис платных музыкальных подписок «ВКонтакте» — сейчас стриминг-платформа площадки называется VK Music).

Что случилось с зарубежными стримингами?

Свежего исследования о стриминг-потреблении в России пока не проводилось, но уже ясно: после 24 февраля расстановка сил на рынке драматически изменится. За неполные три недели произошел целый ряд событий, повлиявших на рынок. Spotify закрыл российским пользователям возможность покупать премиум-подписки. Запрет Visa и Mastercard на транзакции из России за рубеж распространился на подписчиков Apple Music и YouTube Music — сервисы не получится оплатить с помошью карт этих систем (впрочем, Apple можно через мобильный телефон). Deezer вообще ушел с российского рынка (хоть и не был значимым игроком здесь).

Какие проблемы появились у российских стримингов?

Несмотря на то, что пока нет данных о динамике роста подписок, вряд ли стоит оценивать их перспективы однозначно позитивно. На днях появилась новость о том, что на «Яндекс.Музыке» и «VK Музыке» перестали появляться западные новинки. Это легко связать с приостановкой в России «большой тройки» мейджор-лейблов — Warner Music, Universal Music и Sony Music.

«Афиша Daily» обратилась за комментарием к пресс-службе «ВКонтакте», чтобы узнать, что происходит с зарубежным контентом в «VK Музыке». Она подтвердила, что три мейджор-лейбла временно не публикуют новые треки и альбомы для России.

«Это не отказ всех западных лейблов сотрудничать с какой‑либо площадкой. На данный момент эти три лейбла пока не выпускают релизы на территории России. Нужно учитывать, что многие артисты и так переносят релизы в данное время», — уточнили во «ВКонтакте».

Сделали паузу и более мелкие игроки — дистрибьюторы, которые помогают «отгружать» треки артистов: CD Baby, Distrokid и другие сервисы. Более того, возможны проблемы и в публикации песен на стримингах и российских артистов. Например, Моргенштерн опубликовал свой новый трек «12» в телеграме, куда массово мигрировали блогеры из заблокированного в России инстаграма.

«Афиша Daily» также попросила пресс-службу «Яндекс.Музыки» рассказать о ситуации с зарубежной музыкой на площадке, но в компании отказались давать комментарий по теме.

Сможет ли Telegram заменить стриминги?

Вряд ли. В частности, Глеб Липатов, менеджер Ooes и архитектор успеха «Пошлой Молли» утверждает, что телеграм не стоит оценивать как полноценную альтернативу стриминговым сервисам. «Люди, привыкшие к удобной системе умных плейлистов и рекомендаций, вряд ли смогут безболезненно перейти на телеграм вместо того же Spotify», — сказал он. Соруководитель лейбла Zion Music Дионисий Саттаров рассуждает в похожем ключе и считает, что телеграм «должен реализовать способ удобного и легального стриминга музыки — в этом плане юзабилити там практически на нуле».

Какие перспективы у VK Music в ближайшем будущем?

Пресс-служба «ВКонтакте» сообщила о росте в последние несколько недель: по данным компании, дневная аудитория соцсети и ее сервисов в России выросла на 8,7% — на 4 млн. Тем не менее о том, насколько выросла аудитория VK Music за последние несколько недель, во «ВКонтакте» не сообщили.

«Освобождение» рынка от западных стриминг-сервисов руководство компании не считает полностью позитивным фактором. «Любой рынок будет проигрывать при отсутствии конкуренции, хорошая конкуренция позволяет развиваться», — сообщила пресс-служба компании.

«Сейчас мы — один из крупнейших музыкальных сервисов в СНГ, и для нас изменение пока выглядит не очень значительным», — добавили представители «ВКонтакте».

Максим Задворнов, экс-руководитель PR-службы лейбла Black Star и телеканала «Муз-ТВ», считает, что «VK Музыка» выиграет при сохранении текущего статуса-кво по той причине, что стриминг-площадка интегрирована в экосистему большой соцсети.

«Даже при таком устаревшем интерфейсе мобильной версии, как у них [«VK Музыки»] сейчас, они точно получат аудиторию, новую и активную, которая будет слушать музыку и клипы. «ВКонтакте» проще, чем «Яндекс.Дзен», и интересней, чем «Яппи» или «Рутьюб», и она станет основной платформой».

Глеб Липатов считает, что выигрыш «VK Музыки» на фоне проблем с западными стримингами «вполне возможен». «Показатели Boom и так были очень неплохими, а в ситуации, когда пользователи остаются перед выбором — слушать музыку на российских стримингах или вообще не слушать, — они, очевидно, будут вынуждены обратиться к «Яндексу» или «ВКонтакте», — подчеркнул он.

Дионисий Саттаров также с оптимизмом смотрит на будущее «VK Музыки». По его словам, сервис «и так является стриминг-площадкой с наиболее развитой внутренней экосистемой, позволяющей вовлекать аудиторию».

Mail.ru перезапустил свою «Музыку» с копированием музыки из ВКонтакте, запрещённым для Яндекс.Музыки

«Моя музыка» на Mail.ru разослала по email приглашения, сообщили читатели Roem.ru. Особенностью площадки (Mail.ru называет её «новой») стала функция копирования музыки из ВКонтакте и рекомендации на основе скопированных записей.

Соцсеть ВКонтакте, как и «Моя музыка» принадлежат холдингу Mail.ru Group. Поэтому «Моя музыка», скорее всего, не повторит неприятный опыт Яндекс.Музыки.

У сервиса Яндекса до начала 2015 года существовала кнопка копирования треков из подборки ВКонтакте на Яндекс.Музыку и малоизвестное поисковое приложение. Затем ВКонтакте попросил Яндекс отключиться от соцсети и поисковик потерял часть своей «социальности», функцию копирования и маленький ВК-поисковик. Исторически возможность копирования коллекций из ВК в Яндекс.Музыку появилась 26 июня 2013 года. В тот момент ВКонтакте лишь частично контролировался Mail.ru Group.

Дополнительно Яндекс.Музыку привязали к ВКонтакте 17 сентября 2014. В этот момент Mail.ru Group уже стал единственным владельцем соцсети. Правда поглощение ВКонтакте холдингом Mail.ru Group состоялось лишь одним днём раньше — 16 сентября.

Яндекс не ограничивался генерацией рекомендаций на основе скопированных ВК-коллекций. После отключения Яндекс.Музыки администрацией ВКонтакте продолжили работать другие рекомендательные системы — их целое семейство.

«Яндекс» рассказал о рекомендательной системе «Диско» → Roem.ru

Нынешняя версия «Моей музыки» на Mail.ru «прозрачно» интегрируется с ВКонтакте. При первом же входе на площадку записи из ВК-коллекции пользователя оказываются автоматически добавлены в «Мою музыку» Mail.ru (по совпадающему email для регистрации на проектах Mail.ru и внутри ВКонтакте).

Существует и специальная кнопка копирования аудиозаписей из ВКонтакте в Mail.ru:

Никакой сноски о том кому принадлежат права на записи попавшие в «Мою музыку» на Mail.ru на странице my.mail.ru/music нет. Записи «пользовательские» — музыка «ничья». Среди рекомендаций и после копирования «музыки» вообще — в подборках встречаются аудиокниги.
Обильно разложенные по странице плейлисты «принадлежат», предположительно, конечным слушателям.

Рекламы или каких-либо иных средств заработка на Музыке Mail.ru не видно.

27 июля 2015 года газета «Ведомости» со ссылкой на своих анонимных собеседников сообщила, что один из музыкальных гигантов, Sony, через агентство United Music Agency (UMA) Олега Бутенко договорился с Mail.ru Group о лицензировании музыкальных записей. Стороны, якобы, пришли к соглашению в суде. Где Sony (как в похожих процессах Warner Music и Universal Music) мягко преследовала соцсеть ВКонтакте за «пиратство» в области музыки и требовала от ВК небольших компенсаций за треки парочки артистов (при том, что гигантам принадлежат права на миллионы записей). Никаких официальных подтверждений или опровержений гипотетической легализации аудиозаписей для проектов холдинга Mail.ru Group не было.

«Тонущий в последнюю минуту забывает страх!». Фестиваль «Энергия открытий» глазами актёра

О фестивале

Как вы узнали о фестивале «Энергия открытий»?

В прошлом году меня пригласили в замечательный проект «Любовь, сошедшая с экрана», в котором классику киномузыки исполнял Симфонический оркестр радио «Орфей». Проект был потрясающий, эмоции незабываемые! Поэтому когда мне позвонили с радио «Орфей» и предложили принять участие в ещё одном проекте, я очень обрадовался и, конечно, сразу согласился. Тем более, что так удачно сложилось: моё свободное от телесъёмок время идеально совпало с графиком репетиций спектакля «Жизнь подо льдом».

Что вы почувствовали, когда вам предложили сыграть в постановке, которая возродит забытую музыку?

Фестиваль «Энергия открытий» — это две мировые премьеры, посвящённые трагической судьбе двух русских композиторов XX века — Алексея Животова и Владимира Дешевова. По сути, это театральный альманах, который расскажет широкой публике о творчестве композиторов, чьи имена были забыты и известны сегодня только в узком профессиональном кругу.

Меня пригласили на главную роль в спектакль «Жизнь подо льдом», который ставит режиссёр Дмитрий Сердюк. Я играю композитора Алексея Животова. Каждая роль — это новая страница в твоей собственной судьбе. А роль музыканта и композитора для меня особенно интересна, потому что сам я постоянно нахожусь в музыке и музыкой живу. Без музыки сложно. Нет, не так. Без музыки жить невозможно! Когда же я узнал, что в спектакле будет задействован Симфонический оркестр радио «Орфей» и дирижировать им будет Сергей Кондрашев, я, без преувеличения, ощутил внутренний трепет.

Как вы считаете, какова роль возвращения забытых композиторов для современной музыки, для обычного человека?

Думаю, это в принципе очень важно для любого мало-мальски образованного человека — знать историю русской музыки и русской композиторской школы. А уже тем более для людей, имеющих хотя бы какое-то отношение к музыке. Важно знать своих предшественников.

Что для вас значит фраза «Жизнь подо льдом»?

Попасть под лёд я бы никому не пожелал. Человек подо льдом жить не может. Мы не рыбы. Хотя в Северном Ледовитом океане живёт богатейшая фауна… На самом деле это такая, с одной стороны, простая аллегория, с другой, запутанная и завуалированная. Что значит жизнь подо льдом? Отсутствие кислорода, ощущение приближающейся смерти, панический страх. Режиссёр Дмитрий Сердюк придумал очень интересный ход: на протяжении всего действия идут пояснения, что чувствует человек, когда он тонет. Говорят, тонущий в последнюю минуту забывает страх, перестает задыхаться. Ему вдруг становится легко, свободно, блаженно…

О репетициях

Режиссёр Дмитрий Сердюк

Фото: предоставлено организатором

Светлана Мамрешева

Виктория Корлякова

Дирижёр Сергей Кондрашев

Приходилось ли вам раньше работать с Дмитрием Сердюком и другими актёрами, которые играют в «Жизни подо льдом»?

С Дмитрием Сердюком и коллегами по спектаклю — Светланой Мамрешевой, Викой Корляковой, Рустамом Ахмадеевоым — мы познакомились только на репетиции. И мне все они очень симпатичны. У всех прекрасное чувство юмора. Они такие обаятельные, у них есть какой-то внутренний кураж, глаза сверкающие! Так что в этом проекте мне со всеми комфортно, приятно и очень интересно работать.

Как проходили репетиции с Симфоническим оркестром радио «Орфей»?

Совместных репетиций с симфоническим оркестром у нас ещё не было. Но я помню такие репетиции в рамках проекта «Любовь, сошедшая с экрана». Это было прекрасно, по-другому не скажешь!

Об Алексее Животове и его музыке

Алексей Животов

Как вы относитесь к музыке Алексея Животова? Слышали ли вы её до участия в фестивале?

Я, к сожалению, о нём раньше не слышал вообще ничего. Только сейчас, слушая его музыку, я понимаю, что как будто какие-то мелодии мне знакомы. Например, романс, который будет звучать в спектакле, я слышал когда-то в детстве, но не уверен, что это был именно Животов. Его музыка вызывает у меня странное чувство чего-то знакомого, но забытого.

Как актёр, который будет играть Алексея Животова, расскажите, пожалуйста, каким человеком вы увидели композитора?

В этом-то и загадка. Я ничего не знал о нём до участия в Фестивале. И самое удивительное, что никаких архивов до наших дней не сохранилось. Ни дневников. Ни писем. Ни фотографий. Его судьбу для спектакля «Жизнь подо льдом» пришлось восстанавливать по «косвенным уликам» — по крохотным упоминаниям современников. Достоверно известно немногое, так что отчасти этот спектакль — некая реконструкция его жизни. Я знаю, пожалуй, только то, что он учился в Консерватории у Щербачева вместе с Мравинским, Шостаковичем, что он был влюблён в Натан Горскую.

Я понимаю, что он очень лихо и круто начинал, что был у него такой пик творчества, но потом в нём что-то сломалось. Он не смог найти компромисс между советской традицией в музыке и музыкальным авангардом, своим стремлением перевернуть какие-то понятия в музыке.

Есть ли что-то общее в ваших судьбах?

У Алексея Животова такая драматическая судьба… Нет, мне бы не хотелось, чтобы в наших судьбах было много пересечений. Тем не менее, можно говорить о том, что и в моей жизни есть моменты, когда какие-то свои мечты я не воплотил или «недовоплотил». Те стремления, которыми я был заряжен, по тем или иным причинам отошли в сторону или перестали быть для меня какими-то значимыми. Может быть, в этом отчасти и заключается наше сходство. Он очень хорошо начинал, о нём много говорили, он подавал большие надежды. Но потом что-то застопорилось, прошёл интерес. Вот я учился на врача, был очень увлечён медициной, и она до сих пор остается моей любимой наукой. Но в какой-то момент я с ужасом понял, что не чувствую, чем я в медицине мог бы заниматься конкретно. Я не нашел мотивации, чтобы продолжить ею заниматься. Возможно, что подобное случилось и с Алексеем Животовым.

А о чём бы вы поговорили с Алексеем Семёновичем, если бы была такая фантастическая возможность?

Это очень сложный вопрос. Наверное, я спросил бы его, как в то лихое, жестокое время они могли и смогли сохранять такую веру в жизнь, как у них это получилось, что им помогало? Любовь? Музыка? Любовь к музыке? А ещё я бы спросил его, какая у него любимая нота…

Почему нужно обязательно попасть на спектакль «Жизнь подо льдом»?
  • Симфоническая музыка — это прекрасно. Услышать симфоническую музыку вживую — вдвойне прекрасно. Услышать симфоническую музыку в исполнении ТАКОГО симфонического оркестра — это настоящий подарок. Это большие профессионалы.
  • «Жизнь подо льдом» — это возможность провести прекрасный вечер с родными, друзьями или в одиночестве. Это не обычный спектакль, а маленькое сценическое шоу с видеоинсталляциями, с замечательными актёрами и великолепным оркестром.

Узнать подробности о фестивале можно на официальном сайте.

Присоединяйтесь ВКонтакте.

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+

Михаил Панджавидзе: «Курс в ГИТИСе

Михаил Панджавидзе. Фото из личного архива

Режиссер Михаил Панджавидзе в начале 2000-х возглавлял режиссерскую группу Большого театра России, где осуществил ряд концертных и тематических программ, а также редакций и адаптаций спектаклей текущего репертуара. Почти десять лет работал главным режиссером Большого театра Белоруссии.

Сейчас – как свободный художник – ставит спектакли в России и ближнем зарубежье, а также преподает в своей альма матер – ГИТИСе. Режиссер ответил на вопросы музыкального критика Александра Матусевича.

– Мне хотелось бы начать разговор с Белоруссии, поскольку это важная тема для вас. Наблюдаете ли за театром, которому отдали десять лет жизни?

– Нет, не слежу. Все прекрасно знают, что мое расставание с Большим театром Белоруссии было далеко не безоблачным. Тезисы, которые выдвигались новым худруком Валентином Елизарьевым на момент прихода в театр, ведут к самоизоляции и стагнации театра. И в более мощных странах наблюдается дефицит качественных кадров, а в Белоруссии он всегда был и будет: в стране всего один оперный театр, один музыкальный и несколько антрепризных проектов в жанре мюзикл. И, соответственно, развитие жанра оперы, в отсутствие конкуренции, существенно заторможено. Поэтому все артисты и художники, кто что-то из себя представляют, стремятся оттуда уехать, пристроиться на более престижных площадках.

Я в свое время туда приехал, поскольку предыдущее руководство прежде всего в лице гендиректора Владимира Гридюшко прогрессивно мыслило: не без ошибок, конечно, но за десять лет мы подняли театр на несколько порядков, сейчас об этом можно уже говорить смело. После своего ухода я по разным делам приезжал в Белоруссию и видел последние работы учеников Елизарьева и его супруги.

Когда-то у нас разгорелся спор с Маргаритой Елизарьевой-Изворской относительно того, есть ли в Белоруссии школа оперной режиссуры или нет. Так вот, теперь я могу совершенно четко сказать: после того как она продемонстрировала успехи своих учеников в течение последних двух с половиной сезонов, что никакой школы нет и в ближайшем будущем не предвидится, если этим будут заниматься она или кто-либо из ее последователей. «Пиноккио», «Пер Гюнт», «Виллисы», «Самсон и Далила» – все эти постановки показывают, что ничего интересного сегодня Большой театр Белоруссии предложить не может.

Михаил Панджавидзе: «Никто не упрекнет, что сбежал в трудную минуту»

– Вы покинули Большой театр Белоруссии два года назад – не по своей воле. Как видится та ситуация сегодня – почему так случилось? Ведь театр под вашим руководством был весьма успешен…

– Сменилось руководство театра: пришел новый художественный руководитель, с его подачи новый министр сменил гендиректора театра, а тот в свою очередь не нашел ничего лучшего, как уволить меня. Это повод. А причина – в новой стратегии нового руководства, которое заявило, что «нам варяги не нужны», а нужны молодые белорусские национальные кадры. Таким образом, я пришелся не ко двору, не вписался в концепцию, и меня убрали из театра. Делали они это все не сразу – планомерно, копали долго. В частности, была устроена крупная провокация перед премьерой «Саломеи» в 2018 году, когда во всех смертных грехах обвинили и саму оперу, и нас – ее постановщиков: писались подметные письма черносотенного характера, сочинялись страшные небылицы.

– Почему вы не остались в Белоруссии?

– После увольнения из Большого меня взяли в Музыкальный театр в Минске и на преподавание в Институт культуры, однако поработать я ни там, ни там не успел, поскольку опять же из администрации президента последовал окрик, что Панджавидзе – это персона нон-грата и работы для него в Белоруссии нет. Через год уволили мою жену Екатерину Головлеву из оперного театра, которая там пела много лет первый репертуар, была ведущей сопрано.

– После Минска вы много ставили на Востоке – в Казани и Казахстане. Расскажите об этих проектах и этих направлениях.

– В Казани я поставил только первый национальный мюзикл «Алтын Казан» в Театре оперы и балета имени Джалиля. А вот в Казахстане было действительно много работы – весь прошлый год фактически я провел там. В трех оперных театрах республики (в Нур-Султане, Алма-Ате и Шымкенте) я поставил оперу Брусиловского «Кыз-Жибек» – первую казахскую оперу, национальную классику советского времени. Я поставил оперу Рахмадиева «Красавица Камар», осуществил мировую премьеру новой казахской оперы «Домалак ана». Кроме национальных опер я поставил триптих камерных опер – «Ожидание» Таривердиева, «Человеческий голос» Пуленка и «Телефон» Менотти, все это было объединено телефонной темой, получилось весьма органично. На открытии оперной академии в «Астана-опере» поставил большое оперное шоу.

Михаил Панджавидзе: “В оперном театре должны звучать и Шостакович, и Прокофьев, и Бриттен”

– Недавно мне довелось побывать на оперной премьере в Нур-Султане. Мне показалось, что казахи очень увлечены идеей активного продвижения национальной оперы. Насколько богато и разнообразно ее наследие, есть ли из чего выбирать театрам?

– Выбор есть: у Казахстана много интересных опер. Все это сделано очень качественно, интересно. По разным причинам какие-то ставятся часто, какие-то идут редко, но в целом – это хороший уровень композиторской школы, возникшей и достигшей расцвета еще в советское время. И в целом можно сказать, что оперное искусство в Казахстане сегодня процветает. Теперь его надо продвигать, чтобы его узнали за пределами Казахстана.

– Сейчас только завершился юбилейный Шаляпинский фестиваль, также не чужая вам институция. Что вы думаете о ней сегодня? Чего достиг фестиваль и чего ему может быть не хватает?

– Так получилось, что я достаточно давно уже не участвую в Шаляпинском фестивале, поэтому не берусь судить о нем сегодняшнем. Хотя мои постановки представлены и на фестивале, и в репертуаре театра как таковом. Единственное могу сказать, что я бы усилил национальную компоненту – давал бы побольше татарских опер. Жаль очень, что не идет прекрасная опера «Алтынчеч» («Златовласка») татарского классика Назиба Жиганова, потому что это настоящее сокровище татарского музыкального искусства, то название, которое должно идти в казанском театре всегда. Как «Иван Сусанин» у нас или «Галька» у поляков.

– Вы много работали в крупных волжских театрах. Теперь в вашем графике вновь возникли Волгоград и Астрахань. Какими вы нашли эти коллективы спустя годы, какова там ситуация?

– Разница между коллективами сегодня существенная: Астрахань очень сильно вырвалась вперед, театр на взлете, и дай бог, как говорится. Я очень-очень рад, это мой первый театр и я просто счастлив за него. В этом театре моя жена перешла из меццо в сопрано – спела свою последнюю Ольгу в «Онегине» и первую Тоску. В Астрахани у нас было три счастливых года и сегодня я очень рад вернуться в этот театр вновь и поработать там.

В Волгограде хотелось бы большей поддержки от руководства области, поскольку опера – жанр дорогой, и надо понимать, что если уж вы себе позволили иметь оперный театр, то держать его на нищенском уровне просто даже неприлично. Иначе это получается не опера, а издевательство над коллективом и над зрителем. Но есть и позитив – в Волгограде очень выросла балетная труппа, это и неожиданно и приятно – в городе, где нет своего хореографического училища.

Пусть не гаснут софиты в «Царицынской опере»

– Расскажите о вашей сегодняшней педагогической деятельности.

– Это отдельная глава в жизни, об этом можно рассказывать часами. Сейчас у меня курс в ГИТИСе. Это упоительная штука, я обожаю своих ребят – они у меня классные, очень талантливые, надеюсь, что все они дойдут до диплома и получится из них вырастить настоящих артистов. Занимаюсь этим с удовольствием и очень этим счастлив.

Александр Матусевич, “Независимая газета”

10 причин, почему музыка сейчас так отстой

Фото Джилберта Эбрахими на Unsplash

Привет, меня зовут Бенджамин Грофф, и если это первый пост, который вы вообще читаете от меня (от чего я не возражаю) позвольте представиться.

Я работаю в музыкальном бизнесе более 25 лет, в основном в качестве музыкального издателя в BMG и EMI (в течение 10 лет) и Kobalt Music в течение 10 лет, где я открыл первый офис в США, подписав и работая с более чем 100 + авторов хитов и исполнителей, таких как: The Lumineers, Ryan Tedder & One Republic, Grimes, Big Freedia, Kelly Clarkson, Tiesto, SOPHIE, Cut Copy, TOKiMONSTA, авторам хитов Grammy, таким как Грег Керстин, Саван Котеча, Ариэль Рехтшайд и т. д.Я также был музыкантом с 13 лет, поступил в Музыкальный колледж Беркли по специальности «сочинение песен и исполнение», написал несколько песен, которые попали в чарты, да-да.

Проще говоря, я посвятил свою жизнь созданию потрясающей музыки. Итак, с учетом этого вступления и контекста, вопрос дня, который, возможно, вас тоже интересует…

Почему?

Почему музыка сейчас такая отстойная?

А на ваш острый вопрос у меня есть 10 ответов ниже.И p.s. У меня также есть пост с контраргументами под названием «Почему музыка так хороша прямо сейчас», который вы можете прочитать здесь (для тех, кто не верит в то, что я должен сказать, правда, и просто может обидеться).

И послушайте, я расстроен, что музыка сейчас такая отстойная? Да. Я.

SNL

Как музыкальный издатель и владелец лейбла — я буквально одержим поиском новых талантов — и позвольте мне сказать вам — новые иконы сегодняшнего дня, по моему мнению, стройны и далеко друг от друга, а может быть несуществующий.

Я имею в виду, кто следующий: Дэвид Боуи, Джеймс Браун, Принс, Ван Хален, Джони Митчелл, Notorious BIG, U2 и т. д.

Выходной день Ферриса Бьюллера мое мнение.

Возможно, этот пост кого-то расстроит.

Отлично! И некоторые люди будут смотреть это и думать, что я какой-то отстойный, измученный музыкальный человек. И знаете что — меня это устраивает. Вероятно, они правы (измученная часть LOL).

И прежде чем мы начнем, не стесняйтесь проверить в меню дополнительные пункты, такие как онлайн-курсы музыки, получить мою бесплатную книгу и/или зайти на мой ресурс A&R / музыкальный фильтр / лейбл www.WeAreTheGuard.com

Итак, давайте начнем с того, почему музыка сейчас такая отстойная.

#1 Технологии в руках каждого (и да, для музыки, я думаю, это на самом деле плохо)

Вот в чем дело — сегодня — студия стоимостью 500 000 долларов может существовать на вашем ноутбуке примерно за 500 долларов.

Однако в «золотую эру» музыки (которую для наших целей мы будем называть 1960-ми, 70-ми и 80-ми годами) вам был нужен ключевой звукозаписывающий лейбл, чтобы финансировать вас.

Просто войти в студию стоило огромных денег. Вам приходилось платить за дорогостоящее студийное время, оборудование, музыкантов, продюсеров, микшеров, инженеров и многое другое.

Hitsville USA

Итак, лейблы того времени были на самом деле ВЕЛИКИМ первоначальным фильтром музыки и качества.Несмотря на всю эту шумиху о том, насколько творчески удушающими или злыми были крупные звукозаписывающие компании, они на самом деле великолепно открывали или закрывали дверь для тех, кто был квалифицирован, во всех жанрах.

Да! Они были F I L T E R S!

У вас были руководители и специалисты отдела кадров, опытные и квалифицированные, часто с накопленным десятилетиями опыта, которые говорили: «Да, вы классные, вот пара сотен тысяч долларов, давайте сделаем эту запись. Нет — давайте сделаем эту карьеру .

Смоки Робинсон? Ага! Полиция? Да! Брюс Спрингстин? Да! Отис Реддинг? Да! Трент Резнор, Дэвид Боуи… Черт, да! Кто-то, кто просто «действительно хорош» и знает, как пользоваться приложением? Нет!

Сравните этот ландшафт с сегодняшним днем, когда, как я уже упоминал, технологии позволили создавать музыку буквально каждому

За 500 долларов вы можете получить домашнюю студию, которая в 1000 раз более экономична и мощна, чем звукозаписывающая. studio 30 лет назад.Сделайте бит и действительно «крутую» песню, загрузите ее в Soundcloud и DSP и сделайте свой снимок.

Теперь, хотя это может звучать великолепно для «создателей» музыки, на мой взгляд, это ужасная и неправильная среда для создания новой классики И это плохо для нас, потребителей.

Почему?

Ну, я тебе скажу.

Но я думаю, что это большая причина — не делают новую классику. Просто планка и уровень качества серьезно упали.

 

Имейте в виду, что технология находится в руках буквально каждого — мы прошли путь от примерно 75 000 ключевых новых музыкальных релизов в год, скажем, в 2000 году, до сегодняшнего дня, когда выходит 200 000 новых музыкальных релизов — в неделю! Это не преувеличение.

Я имею в виду — Давайте серьезно сравним два разных ландшафта этих эпох.

В качестве примеров можно использовать 60-е, 70-е или 80-е годы.

Выберите год из любого из этих временных отрезков, и вы получите потрясающую музыку, иконы и легенды – сравните, скажем, – потрясающую классику о … 2019??

Да, верно.

В 60-х или 70-х — вы должны были быть серьезным музыкантом, потратив, наверное, 10 лет, репетируя свою задницу только для того, чтобы попасть в зону хорошего — ПРОСТО чтобы вас воспринимали всерьез и просто чтобы иметь возможность участвовать указать, чтобы быть в комнате.

Сегодня Требуется ограниченный талант, чтобы звучать «довольно хорошо».

В сегодняшнюю эпоху любой может (да, я скажу это), к сожалению, создавать музыку и иметь доступ к бесплатным инструментам, вокальным плагинам, мелодинам, бесплатным битам и т. д. и, по сути, звучать «действительно неплохо!»

Я имею в виду, вы помните тот рекламный ролик мастер-класса с Deadmau5 — да, тот, где он говорит: «Это похоронный звон по производству EDM — и продолжает брать свой указательный палец — нажимает на миди-контроллер и целый бит, басовая партия и трек запрограммированы заранее? Кто-то может сказать: «Я написал это», то есть я нажал эту одну (буквально «одну») кнопку.

Да, вот до чего мы дошли сегодня.

Любой может нажать эту кнопку. Буквально любой.

Кроме того, буквально каждый может загрузить эти новые «шедевры» на Spotify, iTunes, YouTube или куда угодно.

И эй — может быть, этот человек в их спальне-студии может быть следующим Принцем… Я хочу в это верить.

Но вы знаете, что сегодня мы в невыгодном положении из-за этого, что приводит меня к пункту № 2.

#2 Нулевое развитие лейблов для новых артистов

В золотую эру музыки 30-60 лет назад лейблы фактически разрабатывали записывающихся артистов.

Верно!

Лейблы были в этом на долго и знали, что это может занять 4 цикла альбомов, 4 цикла гастролей, сотни тысяч долларов, команда людей, чтобы посмотреть, может ли у них быть следующая икона. Именно это произошло с Брюсом Спрингстином. 4 альбома еще до того, как у него появился первый хит и прорыв.

В 2020 году + Ярлыки — больше так не делают.

Сегодня лейблы в основном следуют отчетам об исследованиях данных.

Итак, если ваша песня (независимо от того, насколько она хороша, посредственна или плоха) начинает набирать обороты на Spotify или появляться в вирусных чартах, лейблы предложат вам сделку и попытаются бросить немного пресловутого «бензина». ” на искре, которую создала ваша песня.

Часто – и я знаю это практически факт – многие из этих предложений и электронных писем генерируются роботами.

По большей части ( и я подчеркиваю «по большей части» ) художники сегодня не имеют ни отбивных, ни стимула их иметь. Я говорю это также в связи с тем, что мне выпала честь находиться в личном присутствии Принса в течение некоторого времени в Миннеаполисе. Принц, насколько я мог судить, был безжалостен в своем ремесле — всегда (я имею в виду ВСЕГДА) сочинял, записывал, репетировал, исполнял и т. д.

И эй – может быть, этот художник действительно станет следующей легендой нашего времени. Но я так не думаю.

Я имею в виду лейблы и артистов сегодня — лично я просто не думаю, что хочу тратить время, деньги или усилия.

#3 Нет 10 000 часов, вложенных новыми художниками

По большей части современные художники не имеют ни возможностей, ни стимула их иметь.

Давайте заглянем в историю.

В 1976 году кто-то вроде Принса (или кого-либо из той эпохи) должен был серьезно отказаться, практиковаться, совершенствовать свое мастерство и отработать 10 000 часов своего одержимого Малкольма Гладуэлла, даже , прежде чем ступить в студию звукозаписи.

И для тех из вас, кто не знает, 10 000 часов — это общий барометр времени, необходимого для того, чтобы стать экспертом.

Видите ли, в «золотую эру» музыки, о которой мы говорили, нужно было быть серьезным музыкантом. Неважно, в каком музыкальном жанре вы должны были играть на своем инструменте или петь с уровнем мастерства намного выше «очень хорошо».

Другими словами, готовы ли вы практиковаться по 4-5 часов в день в течение 5 лет подряд только для того, чтобы удержаться и стать отправной точкой , чтобы получить входной билет «в комнату»!

Верно! Вы бы играли в дайв-барах, кофейнях и везде, где вы и/или ваша группа были бы годами и годами — вы развивали и оттачивали свои навыки, как ниндзя-невидимка.

Вы должны были иметь серьезные навыки как музыкант, потому что игра на инструменте (да, шок и трепет на самом деле возможность играть на инструменте) — это единственный способ что-то записать!

Каждая группа/исполнитель была известна также как серьезный музыкант.

Во Флитвуд Маке была Линдси Бэкингем, в хаус-группе Motown были лучшие музыканты в мире (мы смотрим на тебя, Джеймс Джемерсон, если назвать только одного гения), и если бы ты был певцом/автором песен, будь то Элтон Джон, Джони Митчелл или Стиви Уандер, само собой разумеется, что вы были невероятно солидным, опытным музыкантом.

Элтон Джон

Давайте сравним это сегодня, где В 2020+ вы буквально шокированы и поражены когда кто-то может даже играть на инструменте, а тем более петь грамотно.

Буквально, люди будут смотреть на вас, как на инопланетянина или волшебника из другого измерения.

Вы не поверите, но сегодня процесс загрузки музыки в компьютер — зачастую даже не проигрывается, а буквально «втягивается» в компьютер через программатор.

Позвольте мне спросить вас — если вы художник — вы практикуетесь или посвящаете своему ремеслу 6-12+ часов в день? Каждый. День. Выходные включены. (СОВЕТ: эти часы не включают социальные сети.)

Принцесса-невеста

Планка была экспоненциально снижена. Грустно.

#4 Новые музыкальные образцы для подражания на сегодняшний день довольно отстой *кроме рэпа

Если бы вы были молодым артистом 40-50 лет назад, вы были бы вынуждены и вдохновлены написать песню не хуже The Beatles, Боба Дилана, Джеймса Браун, Кэрол Кинг, Леонард Коэн, Ирвинг Берлин, Стиви Уандер, Queen, Отис Реддинг, Берт Бахарах и Хэл Дэвид и др.Вот где была планка, если тебя воспринимали всерьез.

Сегодня — если вы хотите стать следующим большим певцом, автором песен, например … вы можете смотреть / слушать, я не знаю — последний временный артист, появившийся в плейлисте New Music.

И я уверен, что там есть хорошие певцы и авторы песен, но следующий Леонард Коэн? Тьфу-аренда.

Wayne’s World

Любой из этих исполнителей в таких-то и таких-то плейлистах (докажите, что я ошибаюсь) на 95% просто «действительно хорош», третье поколение и разбавленные версии великих.

Примечание. Теперь точно — в рэпе, я думаю, другая игра.

Я думаю, у вас есть люди, которые постоянно осваивают новые территории и держат планку невероятно высоко.

Художники, такие как Кендрик, Андерсон .Паак, Дрейк и многие другие художники, которые находятся в пути, по моему мнению, задают новые тенденции для новых поколений.

 

Кендрик Ламар Награды BET

Что касается всех остальных…

Это просто процесс разбавления.

Другими словами, сегодняшнее поколение смотрит на предыдущее поколение как на барометр «насколько хорошим я должен быть, чтобы добиться успеха».

Например, современный художник-подросток, вдохновленный Билли Айлиш, будет смотреть на Билли Айлиш как на бар. Типа — это верхний предел и самых лучших , на которые я могу рассчитывать.

На самом деле это может быть неплохой «бар» и уровень, на который можно посмотреть!

Но на кого вдохновилась Билли (или, я имею в виду Финнеаса).Оказывается, в статье Earmilk было раскрыто, что источником вдохновения была Имоджен Хип.

А кто вдохновил Имоджен Хип? Может Бьорк.

А кто вдохновил Бьорк?

Согласно Википедии: Брайан Ино, Чака Хан и Джони Митчелл.

Итак, вопрос — какой 13-летний начинающий художник собирается изучать Брайана Ино как «источник».

Я вам скажу кто — наверное, никто.

Ты то, что ты ешь.

Ники Минаж «Feeling Myself»

Таким образом, сегодняшние артисты далеки от планки тех, кто близок к классическим хитмейкерам, иконам и художникам.

Резюме — Каждое поколение музыкально разбавляет и ухудшает музыку предыдущего поколения.

#5 Крупнейшие лейблы — в бешенстве, чтобы подписать «звезды» последних исследований данных

Это снова немного грустно, но на 100% правда.

Для тех, кто в музыкальном бизнесе — это очевидно.

Для тех, кто не связан с музыкальным бизнесом — шок и трепет — люди больше не «на самом деле» расписываются в своих музыкальных способностях. Ну да — типа того.

Я разговаривал с несколькими моими друзьями и коллегами по отделу и репертуару — с теми, кто находится на самом высоком, старшем уровне (включая президентов) — и с теми, кто ниже уровня креативного менеджера и директора.Итог…

Что касается сохранения доли рынка лейбла (и это ОЧЕНЬ много значит для этих лейблов) — эти лейблы ДОЛЖНЫ подписывать и преследовать этих вирусных звезд, появляющихся на TikTok, Instagram или где-то еще.

Во-первых, вирусность и данные, во-вторых, музыка, написание песен, авторитет и долгосрочная карьера.

Симпсоны

Обратите внимание! Конечно, это не каждый человек из A&R и лейбл. Безусловно, есть замечательные руководители, действительно выполняющие тяжелую работу, развитие, работающие с художниками, вкладывающие (буквально) кровь, пот и слезы, и которые исключительно талантливы (любой из тех, кто читает это — они знают, кто они). являются).

Но возвращаясь к лейблам, подписывающим контракты с артистами из отчетов об исследованиях — если честно — это менталитет — образ мыслей, что ж — к сожалению, они правы!

Зачем тратить 2, 3 или 5 лет на развитие художника, который вы даже не знаете, взлетит — когда — вуаля — этот художник уже взлетает! И публика заговорила! Не просто набирает обороты, а становится ВИРУСНЫМ!

Так что, какой бы артист сейчас не взлетел — лейблы нужно расписывать сразу (и хватать следующие 14-15 минут славы, которая быстро испаряется).Аудитория высказалась. И я понимаю.

Но я также думаю, что во многих случаях результат (на мой взгляд) хуже, чем у новых записей.

Я имею в виду, по крайней мере, в предыдущие десятилетия — у нас были новинки и/или один хит, который был настоящими песнями и хитами, которые до сих пор играют, например, Тони Бэзил «Микки» или Декси «Полуночные бегуны» «Давай, Эйлин», чтобы даже Крошка Тим и «На цыпочках сквозь тюльпаны».

Теперь у нас просто «моменты».

Определенно, не какие-либо авторские права или какие-либо песни, о которых вы будете заботиться в следующем году, а тем более (вероятно) на следующей неделе, когда будет новый плейлист или #вызов.

Как угодно, чувак.

То, что я также наблюдаю, — это «кладбище» забытых артистов, у которых была первая песня #challenge, которую в панике раскупили мейджоры, а потом — не так много.

Вот вам новый челлендж с хэштегом: #seeyoulater.

Лично я думаю, что будет цунами тех «типов» художников, которые остались позади, после того как из этого «артиста» выжаты все оставшиеся соки.

При этом не похоже, чтобы что-то действительно менялось в зависимости от того, как работает бизнес.Музыкальный бизнес всегда выжимал из артиста все, что мог, чтобы получить последнюю каплю, последний хит.

Это сейчас происходит в очень коротком, суперсжатом по времени окне.

Подытожу этот момент небольшой историей.

Помню, как я разговаривал с одним из моих любимых руководителей A&R крупного лейбла — суперзвездой с 30-летним стажем. Он отвечал за многие из самых известных суперзвезд и песен, которые вы когда-либо слышали.

Это было около 15 лет назад, и я мог сказать , что он «пытался» «взволноваться» этим новым артистом, взорвавшим Vine (который в то время был «TikTok»).

Я посмотрел на него и подумал: « Правда? Вот к чему мы пришли .

Он торжественно покачал головой в поражении. «Ага.» И это было 15 лет назад.

Опять же — это не все лейблы и не вся деятельность по подписанию контрактов — все еще есть несколько артистов и чемпионов песен — но этих руководителей (и лейблов, желающих поддержать эту деятельность) становится все меньше и меньше и меньше.

#6 Сегодня у артистов нет ответственности и тренеров.

Неочевидный, но огромный.

В золотой век — как художник — ты должен был перед кем-то отчитываться.

А?

Верно. Кто-то, кто мог бы сказать «Да» или «Нет».

Теперь я за свободу творчества. И если я скажу это — это звучит антиартистично, — но все как раз наоборот.

Американские боги

Тогда у вас был кто-то, кто держал для вас планку знаний. Лейбл не стал бы выделять средства на вашу студийную запись, если бы ваши песни были не на высоте.

Если бы вы были автором песен, издатель не разрешил бы плату за демонстрацию ваших песен. Другими словами, у вас была ответственность. У вас был кто-то в качестве тренера, который говорил: «Это недостаточно хорошо», «Это могло быть лучше».

Те же самые люди обычно имели реальный опыт и авторитет, чтобы сказать, например, «ваш припев не работает из-за x, y или z», или в случае с кем-то вроде Ахмета Эртегуна, одного из тяжеловесных руководителей A&R и продюсеров в Когда-то в Атлантике — можно было бы сказать — я думаю, вы могли бы переиграть это с помощью аккорда G7 b9 #13.

Из-за технологии и отсутствия реальных средств, необходимых для того, чтобы попасть в студию… больше нет никакой ответственности художника. Нет никаких «тренеров».

И хотя для артиста может быть здорово иметь полный контроль, если рядом нет никого, кто мог бы сказать — я думаю, ты мог бы спеть эту песню лучше, на этом EP нет ни одного сингла и т. д. — откуда что оставят наши художники?

Объезд

Позвольте мне дать вам метафору — смог бы олимпийский чемпион пройти весь путь до золота, если бы у него не было отличного тренера, который каждый день надирал бы ему задницу? Или кто-то, чтобы быть рядом в качестве объективной деки? Есть ли у Тайгера Вудса «тренер по свингу»? Хм.

Потому что несмотря ни на что – ваша правая рука просто никогда не сможет коснуться правого локтя.

Другими словами, объективность.

Художники, творческие люди и даже я нуждаюсь в объективности и ответственности.

Сегодня художник часто делает все, что хочет. С одной стороны, это здорово, но где «тренер», или менеджер, или A&R, чтобы сказать: «Это недостаточно хорошо?»

Кстати, о менеджерах.

Шоу Кид Меро

У менеджеров обычно есть договоренности с артистами «по желанию».То есть их могут уволить в любой момент.

Если вы менеджер и заботитесь об успешном артисте – собираетесь ли вы действительно рисковать своей карьерой, говоря «этот альбом просто недостаточно хорош», или вы просто собираетесь сохранить свою работу и эго артист на высоком уровне, давая пять каждой новой средней песне, которая приходит?

Офисное помещение

Великие менеджеры и великие художники — я думаю, у них особые отношения и доверие на этом фронте.

Но я постоянно вижу обратное.«Классная песня!»

Резюме: артисты – это будущие олимпийские чемпионы, обладающие золотыми медалями, и в идеале у них должны быть лучшие тренеры, которые поднимают и расширяют известные пределы мастерства каждого артиста.

Кстати, у Стива Джобса был тренер? Как насчет Джеффа Безоса? Как насчет Ларри Пейджа и Сержа Брина, которые основали Google?

Да, сделали. Все тот же парень.

Его звали Уильям Кэмпбелл. Посмотрите его. На самом деле о нем была написана книга под названием «Тренер-триллионер» — вполне точное название книги.

У миллиардеров есть тренеры и ответственность. И вы тоже должны.

#7 Команды передового опыта и контроля качества ушли в прошлое

В золотую эру у вас была команда передового опыта, основанная на музыкальном проекте.

Давайте посмотрим на самый большой и, возможно, лучший поп-альбом всех времен: «Thriller» Майкла Джексона.

Как вы думаете, Майкл Джексон сам сел и единолично написал все песни на 100% (и A&R объективно их переписали и переписали), создал постановку, аранжировки для струнных, играл на всех инструментах, сделал все программирование, дирижировал сессии, микширование и мастеринг его песен, всю хореографию, раскрашивание видео, мастеринг записей, режиссирование всех видео, а затем фактическую доставку конечного продукта в музыкальные магазины и весь маркетинг?

Ни за что! Вам бы пошутить!

Тем не менее, в 2020+ часто всего один человек пытается сделать все это в домашней студии.

И, конечно же, многие люди способны на большее, чем на солидную работу.

Но какой артист сегодня делает альбом, который ДОЛЖЕН СЛУШАТЬ, который вам НУЖНО услышать и который станет частью вашей жизни в следующем году или через 5 лет, а тем более через 25 лет из 50?

Почти никто. Подождите — позвольте мне исправить себя. Буквально. Никто.

Tacoma FD

Причина, по моему мнению, этого не происходит, потому что…

1) Это дорого

2) Люди думают, что могут сделать все самостоятельно (и на самом деле они могут – потому что все остальные делают это – однако происходит то, что «планка» становится все ниже и ниже).

3) Идея, концепция и подход к написанию песен, переписыванию и совершенствованию песен исчезли, и…

4) Существует общий настрой на то, чтобы написать и даже закончить песню и полностью продюсировать ее за день или два.

Величайшие рекорды всех времен делались не так.

Величайшие записи всех времен были сделаны коллективным гением, возможно, несколькими мастерами-песенниками, невероятно объективными продюсерами, музыкантами, A&R и т. д.все сосредоточено в совокупности.

Это просто не на самом деле , происходящее сегодня (за исключением более крупных суперзвезд высшего уровня), и это просто еще одна причина, по которой сегодняшняя музыка такая отстойная.

 

#8 Создание музыки теперь в руках тех, кто не вдохновлен и/или делает это ради лайков.

Ох. Мне жаль, что это затронет нервы. Но это нужно сказать. И меня могут сжечь за это. Отлично. Это затрагивает один из наших предыдущих пунктов – но в золотую эру создания музыки музыка была религией.

Тебя тянуло к нему, как магнитом. В нем было волшебство, тайна, опасность и сексуальность.

Если вы тогда были музыкантом / художником / автором песен — это потому, что вы были невероятно вдохновлены и одержимы.

И давайте будем честными — многие создатели музыки попали в него за внимание и к девушкам, и к парням (или к обоим). Если бы вы были великим — и могли бы это сделать, у вас было бы все в мире, что вы хотели. Помните — не было социальных сетей.

Сегодня – если вы хотите прославиться и зарабатывать на своей оригинальности (и, будем честны, еще и трахаться)… вы собираетесь отказаться от своего ремесла на 10 лет, совершенствуя инструмент или мастерство пения – или вы только собираетесь начать делать какие-то глупости в Instagram или TikTok и начать получать эти мгновенные выбросы дофамина и, возможно, построить карьеру на том, насколько хорошо вы можете использовать приложение и «влиять» на людей (ничего против этих людей, кроме)…

Твин Пикс

Сегодня я обнаружил, что у нас меньше людей, которые действительно вдохновлены, талантливы от природы и одержимы своим музыкальным ремеслом.

Другими словами, я гарантирую, что ваш последний припев не так хорош, как песня Принца, которая лежит где-то неуслышанной в подвале в Миннеаполисе.

И сегодня — я нахожу, что все больше и больше желающих прославиться… просто прославиться.

Например, если бы вы дали кому-то возможность иметь 100 000 поклонников в Instagram прямо сейчас за ваш «отличный пресс» или дерьмовые выходки, а не просто иметь 1000 поклонников в Instagram, которые просто любят вашу музыку — я думаю, что большинство людей бы лучше прославиться в Интернете чем-то глупым.

Ким Кардашьян для GQ

Требуется 5 лет, чтобы научиться играть на музыкальном инструменте — или вы можете сделать пародию на TikTok и, возможно, за одну ночь стать знаменитостью в Интернете.

#9 Современные артисты не готовы к живым выступлениям

В золотую эру — до того, как вас действительно поставили на эту центральную сцену — вы платили взносы. Вы вложили в свой Малкольм Гладуэлл 10 000 часов , необходимых , чтобы стать экспертом.

Как артист, вы гастролировали в течение многих лет, и у вас уже было 1000 концертов за плечами, прежде чем у вас случился большой прорыв.

The Beatles — идеальный пример.

Они отыграли свои 10 000 часов в качестве местной кавер-группы в Германии.

Они играли почти каждую ночь – 5 часов в день, 6 дней в неделю в The Club Indra и KaiserKeller (подробнее об этом здесь: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Beatles_in_Hamburg). К тому времени, когда наступил их большой прорыв, и настало подходящее время, когда у «Битлз» был тот знаменательный огромный прорыв в США на шоу Эда Салливана, они были готовы.

Нет, они были более чем готовы. Они были готовы 10 000 часов!

В 2020+ люди получают свой «перерыв» и выходят на эту главную сцену, на мой взгляд, примерно на 5 лет раньше . Я вижу это очень очевидным в недавнем посещении SXSW или другого одного из моих любимых музыкальных фестивалей, The Great Escape.

С одной стороны, фандом, подписчики и стримы артистов действительно могут стать вирусными.

Это ставит их в центр внимания всего мира, чтобы подписать контракт с крупным лейблом и усилить их музыку.Это потенциально здорово.

Однако вы НЕ МОЖЕТЕ масштабировать живую сцену.

Существует ОГРОМНАЯ разница между первыми 20 концертами артиста и его 2000-м. Тем не менее, многие новые артисты подписываются — и выступают на мировой сцене, чтобы их мог увидеть весь мир — в своих первых шоу из нескольких (см. первое выступление Ланы Дель Рей на SNL).

С другой стороны, я помню, как в прошлом году на The Great Escape в Брайтоне видел очень раскрученного и горячо одаренного артиста.Музыка была великолепной, у них был крупный лейбл, у них был надежный менеджер. Живое шоу — не очень.

В лучшем случае средний. И действительно огромный промах.

Оказывается, я был на их десятом концерте. В золотую эру — на временной шкале этого артиста вы, вероятно, видели бы его 200-е шоу… где у них были бы свои дорожные отбивные.

Сегодня этого больше не происходит.

Артисты становятся вирусными намного быстрее (и это здорово), но когда они выходят на сцену, они не только наполовину готовы, они на ¼ готовы.

The Brady Bunch

Они слишком рано вышли из духовки. Это разочарование.

#10 Современные исполнители и авторы песен не просто не знают, насколько хорошей может быть музыка, т. е. их уровень «10» на самом деле является уровнем «6» и вы буквально сдулись. Правда в том. Мне грустно за тебя.

И мне грустно за большинство сегодняшних новых художников и писателей.

AGT

Это говорит о предыдущем пункте, но сегодняшние писатели и артисты даже не знают, насколько хорошей может быть музыка, потому что в отсутствие лучших фильтров и распространения переходных песен в плейлистах новые исполнители не не знаю «великих», которые были до них.Извиняюсь.

И конечно, это требует времени для всех.

Вы не можете просто проснуться однажды и получить 50 лет лучшей музыки, когда-либо проглоченной и осмысленной, и стать частью вашего рабочего словаря. Вы сомневаетесь во мне?

ОК — если ты артист, тогда сыграй мне песню Дэвида Боуи — нет, глупышка, я имею в виду буквально возьми свою гитару или пианино и сыграй для меня.

Я так и думал.

Я общаюсь со слишком многими молодыми артистами и авторами песен, и у нас даже нет ориентира в музыке.

Например, я упомяну такую ​​песню, как классическая песня Simon & Garfunkel «Bridge Over Troubled Waters», или, может быть, отсылку к песне из вышеупомянутого «Hunky Dory» Дэвида Боуи, или, может быть, это отсылка к классической песне Motown. 50% времени — нет базы знаний о классиках, которые были до них.

Баскетбольные жены

Как можно быть знатоком и знатоком своего искусства, если не можешь стоять на плечах гигантов прошлого.

Приведу метафору.

Если вы хотите стать великим режиссером, не начинайте с ограниченного словарного запаса предыдущего десятилетия.

О, но подождите, эти фильмы «Форсаж» были просто невероятными! ммм.

Нет, если вы начинающий кинорежиссер — вам лучше изучить Копполу, Спилберга, Куросаву, Морриконе, даже до изучения Таррантино.

Почему?

Потому что Таррантино изучил этих мастеров (и каждого мастера кинорежиссуры из каждой страны)! Таррантино был и остается киноманом! И знаешь, что? Он был известен еще до того, как стал режиссёром — как местный клерк в магазине видеопроката в Video Archives на Манхэттен-Бич, где он, вероятно, смотрел все фильмы, которые были в магазине, зарабатывая 200 долларов в неделю.Квентин заработал своего словарного запаса. Жадно. И со страстью.

Другими словами – он знал свое дело!

Но вернемся к музыке: слишком много артистов и авторов песен просто никогда не узнают или не будут искать наше величие, не говоря уже о его изучении, а значит, никогда не узнают, насколько ВЕЛИКИМ может быть их искусство.

Если уровень «10» нового художника действительно равен «6» — может быть, лучшее, чего они когда-либо смогут достичь и создать, — это «5» по большому счету?!

Итоги и сравнение

Подумайте об этом так.

На мой взгляд, кино и, конечно же, телевидение, я думаю, были на самом деле «довольно хорошими» за последние несколько лет и последнее десятилетие.

На самом деле, телевидение было невероятным. И тому есть причина.

Даже несмотря на то, что у каждого есть камера на телефоне, тем не менее Disney, Warner, Universal, Netflix, Hulu, Paramount, Bad Robot и т. д. должны давать зеленый свет проектам, чтобы их реализовать.

Теперь представьте это для сравнения.

Щелкни пальцами, как («снапола»), и пусть все эти киностудии исчезнут.

Следующая топ-модель Америки

И все, что вы могли КОГДА-ЛИБО смотреть, было лентой историй в Instagram или тем, что любители или «довольно хорошие» режиссеры могли снимать самостоятельно, собирать и редактировать с помощью своего iPhone, iMovie и других бесплатных или недорогие студийные программы для настольных ПК со студийными эффектами «в наличии». А затем они будут загружены на YouTube, TikTok, Instagram.

Представьте себе.

Насколько хороши были бы эти фильмы.

Какие из миллионов видео, загружаемых каждый день, вы бы посмотрели? Твое право! Все эти фильмы, вероятно, были бы отстойными… особенно если вы настоящий киноман, но еще и знаток.

AnchorMan

Кто из этого генофонда сделает еще Star Wars , Godfather , Pulp Fiction или Citizen Kane ? Я скажу вам, кто.

Никто!

И это, по сути… нет, это именно то, что произошло с музыкальным бизнесом.

Кран и шлюзы открыты для всех и каждого с вечно опущенной планкой не только на этот год, но и на следующий год и, к сожалению, на десятилетия вперед.

Я люблю Люси

Печально то, что мы в целом приняли это, и что сегодня мы возводим на пьедестал музыку, которая воспринимается как великолепная, но на самом деле это просто то, что вы не собираетесь слушать. в следующем месяце, а тем более в следующем году или через 10 лет.

По словам Билли Джоэла, или, по крайней мере, я слышал, как он сказал это (буквально) лично: « Я просто компетентный автор песен, вокалист и пианист. Но в век некомпетентности – это делает меня экстраординарным .

Это моя история.

Вот 10 причин, почему сейчас музыка так отстой.

Меня зовут Бенджамин Грофф — ненавидьте меня или любите — но, по крайней мере, поделитесь этим постом, чтобы помочь другим понять. Если вы любите это — или если вы ненавидите это. Вызовите меня в соцсетях так или иначе.

Хочу услышать ваше мнение.

Не забывайте — у меня также есть контраргумент к этому посту под названием « Почему музыка сейчас так хороша и почему сейчас самое лучшее время для того, чтобы быть артистом ».”

Наконец, ознакомьтесь с моим личным блогом по написанию песен на BenjaminGroff.com здесь, где вы можете ознакомиться с моими обучаемыми курсами, Insider Secrets to Hit Songwriting и The Release Blueprint — как самостоятельно выпустить свою музыку от начала до конца, или Получите бесплатную копию моей книги «Как мне получить контракт на запись? Подпишитесь!»

Увидимся там

Обновлено 11.08.21

Почему исчезают группы: «Молодежь ими не восхищается» | Музыка

«Момент, когда мы создали группу, был лучшим это когда-либо случалось», — поет Мэтти Хили в недавнем сингле Guys 1975 года.Песня — это горячее любовное письмо группе и романтике групп в целом: дух товарищества, солидарность, радостный сплав творчества и дружбы. Это старое чувство, но все более редкое.

«Забавно, когда вышел первый альбом Maroon 5 [в 2002 году], были и другие группы», — сказал в этом месяце фронтмен группы Адам Левин Зейну Лоу из Apple Music. «Я чувствую, что групп больше нет… Мне кажется, что они вымирают». Левин поспешил уточнить, что он имел в виду группы, находящиеся «в центре внимания поп-музыки», но интернет на самом деле не дает разъяснений, поэтому его замечания вызвали недоумение и возмущение среди буквально настроенных, от обиженных ветеранов, таких как Garbage («Что мы, Адам Levine?CATS?!?!?») поклонникам новичков, таких как Fontaines DC и Big Thief.

Но если оставить в стороне обиды, Левин был в целом прав. Когда Maroon 5 прорвались вперед в 00-х, постоянно формировались новые группы, многие из которых быстро стали платиновыми и стали хэдлайнерами. Тем временем в сфере чистой поп-музыки такие шоу талантов, как The X Factor, стали надежным инкубатором женских и бойз-бэндов, от Girls Aloud до One Direction. Больше никогда. Центр тяжести популярной музыки, несомненно, сместился в сторону сольных исполнителей, по крайней мере, когда речь идет о серьезном коммерческом успехе.Этот сдвиг парадигмы был очевиден уже некоторое время («Что случилось со всеми группами?» — спросил Ростам Батманглий после ухода из Vampire Weekend в 2016 году. «Просто сейчас группы банальны?») и ускорился в разных жанрах.

Хаим.

Какую бы метрику вы ни использовали, картина ясна. На данный момент только девять групп входят в топ-100 синглов Великобритании и только одна в топ-40. Две из них — Killers и Fleetwood Mac, с песнями 17-летней и 44-летней давности соответственно, в то время как остальные — последняя выжившая британская поп-группа. (Little Mix), две группы из четырех человек (Glass Animals, Kings of Leon), две танцевальные группы (Rudimental, Clean Bandit) и две рэп-группы (D-Block Europe, Bad Boy Chiller Crew).Есть дуэты и трио, но они состоят из сольных артистов, которые гостит друг у друга. В списке 50 самых популярных песен Spotify в настоящее время всего три группы (BTS, the Neighbourhood и рэп-коллектив Internet Money), и только шесть из 42 исполнителей в последнем плейлисте Radio 1 являются группами: Wolf Alice, Haim, Royal Blood, Architects, London Grammar and the Snuts.

Конечно, на радио и в потоковом вещании преобладают поп, рэп и танцевальная музыка, но составы участников фестивалей также не указывают на золотой век групп.Из тех, что появились за последнее десятилетие, только полдюжины были хэдлайнерами Coachella, Reading/Leeds, Latitude, Download, Wireless или двумя основными этапами Glastonbury. Это 1975, Haim, alt-J, Rudimental, Bastille и Tame Impala, и последний из них фактически является сольным проектом. Только одна группа, The Lathums, появилась в ежегодном лонг-листе BBC Sound of … в этом году, что не является чем-то необычным: группы не составляли большинства с 2013 года. Группы по-прежнему регулярно возглавляют чарты альбомов благодаря преданным фанатам, по-прежнему покупают физические форматы — такие как Mogwai, Architects и Kings of Leon в последние недели — но с 2016 года ни один из них не продержался вторую неделю.Так что случилось?

Арт-поп-группа Maxïmo Park добилась успеха в 2005 году, во время бума рок-групп после инсульта. В эпоху чартов, основанных на продажах, и Top of the Pops у них было восемь хитов Top 40. «Наряду с поп-музыкой на радио и телевидении выступали группы, — говорит фронтмен Пол Смит. «Мы сделали Top of the Pops с Amerie и Scissor Sisters. Я думаю, это было здорово. Дальше может быть что угодно: R&B, альтернативный рок, что угодно. Музыка стала гораздо более разрозненной».

Мэтью Хили выступает с 1975.Фотография: Хавьер Брагадо/WireImage

Рок и поп теперь существуют в разных сферах — даже самые известные группы изо всех сил пытаются пробиться в Топ-20, основанном на потоковом вещании, — но группы отстают в самой альтернативной музыке. Одна из теорий состоит в том, что крупные лейблы избегают групп, потому что сольные исполнители дешевле и с ними легче работать. Это не так, говорит Джейми Оборн, чей лейбл Dirty Hit добился успеха среди групп (The 1975, Wolf Alice) и сольных исполнителей (Beabadoobee, Rina Sawayama). «Мы активно пытаемся подписывать группы», — говорит он.«Я отчаянно хочу найти по-настоящему молодую группу, которой я мог бы помочь в развитии».

Проблема в том, говорит он, что их не так много вокруг. «Сейчас более вероятно, что ребенок будет заниматься музыкой в ​​одиночестве из-за технологий. Когда я впервые встретил 1975, все они были друзьями, собравшимися в комнате, чтобы пошуметь. В наши дни так много делается в спальнях, что вы, скорее всего, будете в одиночестве».

Бен Мортимер, сопрезидент Polydor Records, говорит, что стоимость является более важным вопросом для артистов, чем для лейблов.«Если вы молоды и хотите стать музыкантом, перед вами стоит выбор. Если вы идете по пути группы, вам нужно найти коллег по группе с похожим видением, вам нужны дорогие инструменты и оборудование, и вам нужно отправиться в путь, чтобы отточить свое мастерство. С другой стороны, вы можете загрузить Ableton [производственное программное обеспечение], закрыть дверь своей спальни и сразу приступить к созданию. Культура формируется технологиями».

Создание группы стоит дорого — это будет катастрофой, если она будет открыта только для детей из среднего класса
Джофф Одди, Вольф Элис

«Создание группы обходится очень дорого», — говорит Джофф Одди, гитарист Wolf Alice.«Вам нужно огромное количество оборудования и много места. Я потратил большую часть своего студенческого кредита на репетиционную базу. Путешествовать дорого. Все, что можно сделать, чтобы молодые артисты могли жить в группе, хорошо, потому что есть опасения, что мы потеряем эту традицию. Я думаю, было бы катастрофой, если бы он был открыт только для детей из среднего класса».

Мортимер, который начал работать в A&R в 2001 году и подписал контракты с такими группами, как Haim и Years & Years, говорит, что Polydor по-прежнему запускает молодые группы, включая Dublin’s Inhaler, а дочерний лейбл Island имеет Easy Life и Sports Team, но их меньше. соперников, чем десять лет назад.«Большинство молодых людей не возбуждает групповая музыка в традиционном смысле: группы парней с гитарами. И это отражается в количестве потоков, которые получают эти группы. Затем это влияет на то, что будут создавать талантливые молодые музыканты. Если они выросли, одержимые рэп-музыкой со своими друзьями, они, скорее всего, начнут создавать рэп-музыку».

Возможность создавать симфонии для ноутбуков также изменила форму тех групп, которые процветали. Под влиянием певцов, писателей и продюсеров такие группы, как Bastille и Polydor’s Glass Animals (недавно вытеснившие Оливию Родриго с вершины австралийских чартов), создают поп-музыку, ориентированную на производство, а это означает, что эти фронтмены фактически являются сольными исполнителями в глазах общественности.За исключением Little Mix, из которых в этом году ушел один участник, а другой подписал контракт с сольным менеджером, Haim может быть единственной молодой группой, в которой более одного широко известного участника.

Создание нескольких личностей в воображении публики всегда было сложнее, чем продажа одного человека, но MTV и яркая музыкальная пресса помогли, в то время как телевизионные шоу талантов представили членов группы миллионам зрителей за несколько недель до того, как они выпустили музыкальную ноту. Все три эти организации пришли в упадок, оставив группам возможность самостоятельно прокладывать себе путь в экономике онлайн-внимания.«Социальные сети заполнили эту дыру, создав отдельных звезд, которые считаются более «аутентичными», чем все, что может предложить формат ретро-шоу талантов», — говорит Ханна Роуз Юэнс, автор Fangirls, исследования современного фандома.

Фиби Бриджерс. Фотография: Джей Л. Кленденин/Los Angeles Times/REX/Shutterstock

Социальные сети созданы для индивидуального самовыражения. Такие платформы, как TikTok, Instagram и Twitter — и даже портретная ориентация экрана смартфона — дают преимущество отдельным голосам и лицам, делая групповые знаменитости менее разборчивыми.Даже в инди-роке, наиболее благоприятном для групп жанре, помимо металла, культ личности сильнее, чем когда-либо, что дает возможность большему количеству женщин подняться на передний план. «Фиби Бриджерс, Soccer Mommy, Waxahatchee и другие сольные рок-исполнители сейчас лидируют в этом жанре, — говорит Юэнс. «Фиби Бриджерс, которая чрезвычайно онлайн и очень сообразительна в использовании Instagram и Twitter таким образом, что Gen Z находит родным и забавным, привлекла внимание поп-музыки к идолопоклонству».

Возможно, также меньше аппетита к межличностной драме группы.В то время, когда еще не было реалити-шоу, группы предлагали информацию о групповой динамике (если мы занимаемся кайфом) или о вуайеристских развлечениях (если мы этого не делаем). Даже сейчас новым поколениям поклонников нравится узнавать, что именно сказали Пол или Джон в 1969 году, или какой грязный развод вдохновил на создание какой песни Fleetwood Mac, или как Ноэль и Лиам возненавидели друг друга до глубины души. С одной стороны, каждая группа — это психологический эксперимент, в котором разрозненные личности теснятся в непосредственной близости и выдвигаются в центр внимания.Теперь вам не нужны группы для этого опыта, поскольку это краеугольный формат реалити-шоу. В современной поп-музыке самые большие распри, которые проливают чай и привлекают клики, происходят между сольными исполнителями, а не внутри групп.

А вот в Азии совсем другая история. Группы «идолов», кропотливо собранные, обученные, оформленные и поставленные для максимальной привлекательности, десятилетиями были в авангарде японской и корейской поп-музыки. Звезды K-Pop BTS — самая большая поп-группа в мире. «Стратегически эта система может предложить фанатам больше, чем сольный исполнитель», — говорит Шин Чо, глава K-Pop и J-Pop в Warner Music Asia.«У отдельных фанатов есть свои любимые участники, но они также ценят химию в группе. Также могут быть проекты подгрупп, которые предлагают что-то другое. Групповой формат считается более динамичным, потому что здесь просто больше возможностей сделать и показать по сравнению с сольным исполнителем».

Дивный новый мир? Новая женская группа Boys World. Фотография: PR

Сонни Тахар, бывший глобальный президент Syco Music Саймона Коуэлла, который работал с One Direction, Little Mix и Fifth Harmony, надеется, что это все еще возможно в Великобритании и США, хотя и менее регламентированным образом.Ныне генеральный директор и основатель KYN Entertainment, он недавно запустил новую группу из пяти женщин Boys World, которая набрала более 30 миллионов лайков на TikTok. «Это всегда было намного дороже, чем запуск сольного исполнителя», — говорит он. «Однако вам нужно проявлять больше терпения на сегодняшнем рынке. Поколение Z имеет больше возможностей выбора и требований к своему времени по сравнению с подростками пятилетней давности. Идет постоянная борьба за их внимание. Поп-группы должны быть очень привлекательными. Каждый поклонник должен признать часть себя в личностях и жизнях девушек.

Тахар собрал Boys World с помощью более органичного процесса, чем старая модель Syco, предоставив существующим членам роль в наборе новых. «Девочки были в центре внимания каждого решения, чтобы в первую очередь сформировать банду друзей. Они выросли в социальных сетях и очень комфортно используют их на своих условиях. Это намного лучше, чем форматированное телешоу. Они контролируют. Эпоха свенгали закончилась.

Посмотрите на Фонтейнс, округ Колумбия. Я вижу их фотографию и хочу быть в группе.Словно чувствуешь себя частью чего-то
Джейми Оборн

Задача, стоящая перед всеми тенденциями поп-культуры, состоит в том, чтобы выяснить, является ли это постоянным структурным сдвигом или просто очередной фазой. Правильная группа в нужное время, будь то Strokes или Spice Girls, может все изменить. В краткосрочной перспективе пандемия сделала невозможным формирование новых групп и угрожает выживанию региональных площадок, от которых они зависят, в то время как Brexit создал новые дорогие препятствия для гастролирующих групп.Тем не менее, Оборн остается оптимистом.

«Я в восторге от волны творчества, которая последует за этим периодом, который мы только что пережили», — говорит он. «Я чувствую это стремление в молодежной культуре к реальному опыту и общению. Я все еще довольно романтичен, когда дело доходит до музыки. Посмотрите на Фонтейнс, округ Колумбия. Я вижу их фотографию и хочу быть в группе. Это то же самое, что идти по улице с друзьями и чувствовать себя частью чего-то. Все возможно».

Максимо Парк, с Полом Смитом, в центре.Фотография: Em Cole

Несмотря на тенденции в музыкальных технологиях, потоковом вещании и культуре знаменитостей, многое можно сказать о возможности разделить удовольствия и трудности жизни в музыкальной индустрии с группой сверстников. Выпустив четыре сольных альбома, а также семь с Максимо Парком, Пол Смит вполне может сравнить эти два сценария.

«Как сольный артист я могу делать вещи намного быстрее», — говорит он. «Я могу выбрать обложку, составить список треков: мелочи, на которые у нас уходят недели, потому что у нас эгалитарное мышление.Вы можете заработать немного больше денег. Но мне нравится коллективный аспект пребывания в группе. Вы делитесь всем: делите прибыль, но также делите нагрузку. Если вы большая сольная звезда и вам это не нравится, это должно быть одно из самых одиноких мест, где вы можете быть».

«Мы фанатично относимся к группам и к тому, чтобы быть в группе», — говорит Джофф Одди из Wolf Alice. «Хорошая группа создает сообщество. У них есть экосистема, частью которой вы, как фанат, хотите быть. Несмотря на все, что было сказано об индивидуализме, по-прежнему существует голод по этому коллективному чувству.Возможно, вам просто нужно втиснуть все это в экран телефона.

Эта статья была обновлена ​​19 марта с исправлением: Easy Life and Sports Team подписаны на Island Records, а не на Polydor.

Что случилось с музыкой? – Batavia Beat

Сейчас все плохо?

Музыка есть и была огромной частью жизни каждого. Независимо от того, из какой страны или периода времени кто-то был, Они так или иначе пережили музыку; Музыка повсюду. Музыка — одна из самых субъективных вещей в истории. Вы можете хвалить песню или музыканта как шедевр, но другие могут предпочесть звук гвоздей по классной доске, противоположный вашему вкусу.Если бы было противозаконно иметь отличное от чьего-либо мнение на тему музыки, то я бы давно получил пожизненный срок. Я считаю себя знатоком музыки, немного элитарным музыкантом. Я виновен в том, что затаил обиду на людей, которым не нравится моя музыка или которые ее не понимают. Однако это исходит из страсти; Когда кто-то чем-то увлечен, он хочет этим поделиться. Я хочу, чтобы все избегали плохой музыки, потому что существует так много хороших форм; Но современные СМИ изображают только плохое, Кажется, хорошей музыки больше не создается.Я хочу сказать, музыка стала хуже? Он мертв?

У каждого поколения была своя волна отличной и мусорной музыки, В начале 90-х была музыка обидчивая; Он получил свое название по причине, Это звучит как злоба слова (Грубый и громкий). Такие группы, как «Nirvana», «Pearl Jam», «SoundGarden» и т. д. Это также было уникальное звучание музыки, зародившееся в Сиэтле. Оно также было популяризировано и восхвалялось в Абердине, городе, откуда был Курт Кобейн.

В конце 90-х нас встречали известные поп-песни и такие группы, как Savage Garden, Backstreet Boys, New kids on the block и т. д.Хотя большинство бойз-бэндов 90-х имеют схожее звучание, они были отшлифованы и уникальны для каждой группы.

 Также возникла новая волна формирования рока и отхода от гранжа. Их музыка была более уникальной и стилизованной, некоторые из этих групп, которые внесли свой вклад в это время прорыва, были «The Smashing Pumpkins», «Red Hot Chili Peppers», «Weezer» и т. д.

Я хочу рассказать о разных группах 90-х, чтобы проиллюстрировать, что все группы, которые я перечислил, классифицированы и хороши.Эти группы, хотя ни одна из них не входит в число моих любимых (Expect Savage Garden, отличная группа), были, по крайней мере, хороши и талантливы. В 90-х и раньше музыка требовала большого таланта, лишь очень немногие могли создавать и осваивать ее по-своему. Это означает, что музыка, которая обычно выходила, звучала хорошо, была хорошо продумана и имела какой-то глубокий смысл, который мог вызвать у вас мурашки по коже или дать вам что-то родственное.

Музыка, которую СМИ выдвигают на передний план, не о музыке.Речь идет о перепроизводстве запоминающейся мелодии или демонстрации ваших денег. То, что раньше было почти невыполнимой задачей, теперь стало зависеть от удачи. Есть много современных музыкантов, которые даже не пишут свою собственную музыку. Они платят кому-то за то, чтобы они писали свои биты, платят людям за то, что они пишут тексты, и делают альбом за 45 минут. Я говорю о рэп-трио Migos, они действительно сделали это. Что жалко и оскорбляет музыкальную индустрию и всех музыкантов, которые были до них.

Современной музыке не хватает категории, Часто это просто шум, Twenty one Pilots позиционируют себя как не имеющие жанра, Они сочетают в себе все разные звуки и категории современной музыки.Одной из самых больших категорий современной музыки, особенно для детей и подростков, является хип-хоп или рэп. Я очень не люблю рэп, в большинстве случаев он очень непристойный и просто глупый. Обычно в это не вкладывается никаких усилий, как мы обсуждали с рэп-трио Mingos. Чтобы сделать это еще хуже, рэперы берут деньги, которые они зарабатывают на этих песнях с низким уровнем усилий, и используют их, чтобы тереть их в лицо своим поклонникам и поощрять ужасные привычки тратить деньги. Музыка никогда не служила «образцом для подражания», но уж точно никогда не была настолько плохой.Рэп побуждает детей вести себя как головорезы и эгоистичные дураки. Но это худшее оскорбление просто звучит ужасно.

Но весь ли рэп ужасен? Нет, абсолютно нет. Есть некоторые рэперы, которые взяли этот стиль и использовали его для изображения реальных жизненных проблем или психических проблем, с которыми они сталкиваются. Они меняют стиль по-своему, как, например, когда Кендрик записал «To Pimp a Butterfly», где он соединил чернокожие и джазовую музыку, чтобы сделать мой личный любимый альбом десятилетия. Такие рэперы, как Кендрик Ламар, Дензул Карри, Винс Стейплз, Мак Миллер и другие, взяли искусство и добавили к нему свой собственный стиль и талант.Они используют рэп как платформу для обсуждения своих сокровенных мыслей и проблем. Они создают свои собственные биты, чтобы идеально передать темы и придать им отличное звучание. Flying Lotus — артист, который создает биты для популярных рэперов и показал миру, насколько хорошо могут звучать некоторые биты, если их правильно продюсировать и вложить в них душу.

Но на каждого хорошего рэпера приходится 30 плохих. Такие рэперы, как Post Malone, Lil Uzi, xxxtentation, Future, Drake и т. д., заставляют рэп казаться ужасным и разрушают его истинный потенциал.Зайдите на Spotify и послушайте плейлист «Rap Caviar», и вы увидите, насколько плоха их музыка. Я мог бы часами объяснять, что не так с рэп-игрой, и высказывать свое мнение по этому поводу, но у меня нет времени, поэтому я оставлю это на этом.

«Падение» музыки также созвучно падению рока, рок-н-ролл мертв. Почти никто не делает рок-н-ролльную музыку, которую группы прошлых поколений сделали основным продуктом музыкальной индустрии. Ближе всего к року у нас есть чрезвычайно популярная группа Imagine Dragons, но, хотя средства массовой информации называют их роком, не обманывайтесь, они дальше всего рока.Imagine Dragons такая обычная и просто плохая. Единственные музыканты, признанные СМИ, которые делают рок-музыку, это группы, которым от 20 до 30 лет. Например, Queens of the Stone Age до сих пор делают рок-музыку, Но ни одно новое лицо не зарекомендовало себя достойным наследником трона рок-н-ролла. .

Смерть рока не так уж и плоха, Если только ты не фанат рока, как я. Смерть рока создала этот разлив из-за отсутствия жанра или категории. Музыка превратилась в анархию, все допустимо. Вы можете создать любой жанр, который захотите, вы даже можете придумать свой жанр и все равно преуспеть.Больше не нужно быть рок-группой, чтобы добиться успеха. Рэп и поп стали двумя главными претендентами на замену року, но ни один из них не стал. Это вызвало много действительно творческой и образной музыки. Группы доказали, что вам не нужен рок, чтобы хорошо звучать и привлекать внимание. Такие группы, как RadioHead, начинали как рок, но взяли на себя собственное мнение и позже выпустили такие альбомы, как «Kid A» и «In Rainbows», которые являются шедеврами и используют элементы электроники и поп-музыки. Они доказали миру, что быть уникальным и не следовать за толпой может звучать еще лучше.

Итак, чтобы завершить эту длинную статью «Все ли современная музыка плоха?» Нет не все так плохо. Часть самой уникальной и интересной музыки появилась в 2010-х годах. У нас так много новых и уникальных исполнителей, таких как Фрэнк Оушен, Кейн Уэст, Fleet Foxes, Tame Impala и т. д. Сосуществование такой музыки в одно и то же время невероятно. Много музыки из прошлого следовало теме любого жанра или группы, которая преуспела, но теперь есть масса артистов, создающих свое собственное звучание и демонстрирующих, что значит быть единственным в своем роде.Средства массовой информации только продвигают музыку с ужасным отсутствием блеска, группы и исполнители, которые не заслуживают никакого признания, всегда получают его. Но если вы погрузитесь достаточно глубоко, вы можете найти замечательного исполнителя, который может взять вас в путешествие. Наконец-то женщины тоже нашли музыку для самовыражения. Наконец-то у нас есть хорошие образцы для подражания для молодых девушек. СМИ будут подталкивать женщин-создателей, которые используют свое тело для продажи пластинок, а не своей музыки, но у нас наконец-то есть женщины, готовые взять на себя эту роль. Они делают хорошую музыку и доказывают музыкальной индустрии, что можно быть женщиной и создавать отличную музыку, не полагаясь на свое тело.Такие создатели, как Lorde, Billie Eilish, Lana del Rey, делают что-то потрясающее и заслуживают большей похвалы за создание отличной музыки и за то, что они являются отличным образцом для подражания. С такой большой творческой свободой в современной музыке интересно посмотреть, что будет дальше. Музыка далеко не мертва, и я возлагаю большие надежды на 2020 год и потрясающую музыку / исполнителей, которые грядут.

 

Сегодняшняя музыка ужасна // The Observer

Музыка нынче ужасна. Музыкальная индустрия перенасыщена артистами, которые потворствуют массам глупыми «песнями», практически не содержащими смысла.Я скучаю по тем дням, когда большинство артистов могли играть на инструменте, писать и сочинять свои собственные песни и петь их.

Я не хочу, чтобы меня неправильно поняли. Мне нравится кое-что из современной музыки, в том числе некоторые глупые «песни», о которых я только что говорил. Как житель Zahm House, у нас есть традиция собираться раз в две недели, чтобы оценить женский поп-жанр, подпевая и танцуя под таких артистов, как Ариана Гранде, Шакира и даже Тейлор Свифт. Однако наслаждаться этими песнями следует с осознанием того, что им не хватает содержания.

Моя проблема с современной музыкой заключается в том, что люди искренне считают эту музыку гениальной артисткой и боготворят этих персонажей, созданных для публики. Это не художественный гений, это гений маркетинга.

Нормально петь о мужчинах, которые ужасно с тобой обращаются, как это делает Ти-Свифт — в «Я знал, что у тебя проблемы», «Дорогой Джон» и «Мы никогда больше не будем вместе», — но в определенный момент ты чтобы задаться вопросом, виновата ли девушка в своем ужасном вкусе.Или, что еще хуже, Тай-Тай является первопричиной всего этого, поэтому она может продолжать выпускать хиты об ужасных мужчинах, чтобы сплотить вокруг себя своих поклонников. Не говоря уже о том, что у нее ужасный слух, а ее «кантри» голос (который, к ее чести, даже она высмеивала в своем музыкальном клипе «Look What You Made Me Do») настолько сфабрикован, насколько это возможно.

Можно петь о расширении прав и возможностей женщин, как это делает Ариана Гранде — в «Опасной женщине», «Бог есть женщина» и «Нет слез, чтобы плакать», — но вести себя как плохая сучка, которая предает другую девушку и предлагает свое тело в качестве стимула (см. «расстанься со своей девушкой, мне скучно») посылает противоречивое сообщение, не так ли? Однако, к чести Гранде, у нее действительно есть певческий талант, но я думаю, что она тратит его впустую.

И даже не заводите меня на сегодняшние версии «кантри» и хип-хопа. Сегодняшняя «деревня» или «страна стадионов», как некоторые ее называют (см. Люка Брайана, «Флорида Джорджия Лайн», «Мошенник Флэттс»), только помогает подпитывать стереотипы, которые люди имеют о южной культуре, с постоянным чередованием тропов, таких как холодное пиво, пикапы, синие джинсы и непрекращающиеся ностальгические размышления о том, что было и могло быть.

Но не поймите меня неправильно, сегодня есть несколько замечательных авторов текстов, особенно в хип-хопе, таких как Кендрик Ламар (Вы не получаете Пулитцеровскую премию в музыке просто так), Эминем и Логик.Но мэмбл-рэп, в том числе такие песни, как «Gucci Gang», «Bad and Boujee» и «Mask Off», является оскорблением того, чем раньше был рэп: честное изложение расово-заряженного опыта и классовой борьбы.

Опять же, мне действительно нравятся некоторые песни в этих категориях, но они мне нравятся, потому что я осознаю, насколько они ужасны, будь то из-за того, что они бессмысленны или просто повторяются и запоминаются. Но я не боготворю этих людей, у которых есть команда маркетологов, создающая свою личность идеальным способом, чтобы загипнотизировать массы.

Я скучаю по королевским особам, таким как Принц и Королева (каламбур), и тоскую по тем дням, когда Хьюи Льюис был прав, говоря: «Сердце рок-н-ролла все еще бьется». Однако для музыки времена изменились, и я не мог просто сидеть и «Let it Be», как говорили The Beatles. Так что, пожалуйста, ради себя послушайте что-нибудь из старины и узнайте немного о том, что случилось с музыкой. Тогда, может быть, только может быть, мы сможем уберечь Тейлор Свифт от Зала славы рок-н-ролла.

Мнения, выраженные в этой колонке, принадлежат автору и не обязательно принадлежат The Observer.

Теги: Ариана Гранде, Эминем, Внутренняя колонка, Кендрик Ламар, Музыка, Тейлор Свифт

Тексты песен, содержащие термин: случилось

Слова:

 Оооо, оооо

Эм что  случилось  , этого никто не видел
Что  случилось  , этого никто не видел
Что  случилось  , этого никто не видел
Что  случилось  , этого никто не видел
Сказал, что 
 Когда ловишь ниггера на лжи, он кричит
Посмотрите, что произошло   было
Думал, что это огонь, который ты продаешь
Посмотрите, что произошло   было
Сказал, что это какой-то куш, 
 Что  произошло 
Что  произошло 
Что  произошло 
Что случилось   мотыга
Что  произошло 
Что  произошло 
Что  произошло 
Черт, я не знаю
Что  произошло 
Что  произошло  
 Нажать на них триггеры, опустошить обоймы и перезарядить

Ты был тем ниггером, что  случилось ? (Что  произошло  ?)
К черту стаю, что  случилось  ? (Что  произошло  
 Кто-то сказал мне, что в печали можно и порадоваться
А потом они сказали мне, что они были слепы, и теперь они видят
Я не думал, что это может быть, пока  не случилось  со мной 
 всего

Что  случилось  со мной?
О, скажи мне, что  случилось  со мной?
Что  случилось  со мной?
О, скажи мне, что  случилось  со мной?

Я бегал вокруг 
 Что  произошло  , что  произошло  ?
Да, блин, девочка, что  случилось  ?
Что  случилось  ? Что  случилось  ?
Что  случилось  ?
Я думал, ты не трахаешься 
 Вы знаете, что я говорю, большинство из вас, ниггеры, были бывшими
Вы знаете, что я говорю?
Большинство этих мужей-сук - бывшие
Г-н.Что бы ни случилось   
 должен знать, о чем фильм
Еще до того, как ты пойдешь
Текса Риттера больше нет, а Дисней мертв.
Экран наполнен сексом.

Что бы ни случилось   
 Что  произошло  , что  произошло  с реальным миром
Скажи мне, что  случилось , что  случилось  в хорошие дни
Что  произошло , что  произошло  с моим свободным миром 
 Хорошо, если то же самое  случилось  с вами
Вы все еще заставили бы меня пройти через то, через что вы заставили меня пройти?
Если это  случилось с вами .Что, если это  случилось с вами ? 
 хочу продолжить и поговорить о том, что было

Потому что независимо от того, что я говорю
Неважно что я делаю
Я не могу изменить то, что  произошло 
Я не могу изменить то, что 
 в Ливонию и Блейка
Да да да да да скажи
Вчерашний человек

Некоторые хотят быть зрелищем, что  произошло  ?
Вместо зрелищности, что  получилось  
 Что-то печальное  случилось 
Случилось что-то плохое  
Случилось что-то печальное  
Что-то плохое  случилось со мной 
  Случилось со мной 

Случилось что-то печальное  
Что-то 
 хочу продолжить и поговорить о том, что было

Потому что независимо от того, что я говорю
Неважно что я делаю
Я не могу изменить то, что  произошло 
Я не могу изменить то, что 
 где это  произошло 
Комната, где это  произошло 
Комната, где это  произошло 
Никто больше не был в
Комната, где это  произошло 
Комната, где это произошло   
 лечь
мне не нравится
Это будут не мои глаза
Это скажет мне, если они нашли
Друзья хорошей погоды

Что случилось   со сменой времен года
Что 
 Сестра, Сестра, почему нас расстреливают?
Брат, Брат, кто нас теперь защитит?

Что  случилось  с нами
Где доверие
Что  произошло  
 там, между каждой строчкой боли и славы

Иисус - лучшее, что когда-либо происходило  
Иисус - лучшее, что когда-либо происходило  
Иисус лучший 
 [Непонятно] пограничный ублюдок
Давай, немного займись своими делами для меня, мальчик

Что  случилось  с этим мальчиком
Что  случилось  с этим мальчиком
Что  случилось  с этим мальчиком 
 сделать
Мальчик, я чувствую себя чертовски благодарным
И я буду вечно благодарен
У нас есть только одна первая любовь
И так получилось, что   был тобой

Просто так  случилось 
Это просто 
 мой ниггер, я бы умер за своего ниггера
Что  случилось  с тобой (Что  случилось  с тобой) что  случилось  с тобой
(Что  случилось  с тобой)
«Потому что я бы поехал за своим ниггером, 
 Скажи мне, где они, хотя
Я не уронил никаких сумок, но эта сука, к которой она привязалась
Они говорят, что  произошло 
Я не бросил, когда они смеялись 
 назад, да
Я сделал что-то, и нет пути назад, да
Что  случилось  ? (Что  произошло  ?)
Что  случилось  ? (Что  произошло  ?)
Складывание денег (Да), я 

Что случилось с одним из самых популярных произведений классической музыки?

Какой бы ни была жажда славы Леопольда Стоковски, он не был известен тем, что уступал давлению публики.Во время своего долгого пребывания в должности дирижера Филадельфийского оркестра, с 1912 по 1938 год, Стоковски поставил американские премьеры таких сложных партитур, как «Весна священная» Стравинского и «Воццек» Берга, не заботясь о кассовых сборах.

Но ближе к концу большинства сезонов своего правления этот великий шоумен все-таки подчинился массовому вкусу. Подписчикам Филадельфии было предложено проголосовать за понравившиеся работы с обещанием, что Стоковски возглавит победителей в заключительной «программе запросов».

В течение многих лет побеждала «Патетическая» Чайковского, печальная симфония, настолько популярная, что другие оркестры, как писал в 1925 году критик Лоуренс Гилман, «настолько уверены в исходе подобных голосований, что отправили свои программы в печать». до дня выборов».

Но в конце сезона 1923/24 претендент нанес Чайковскому нокаутирующий удар: Симфония ре минор Сезара Франка.

«Разве это раздувает симфонию милого бельгийца, — задавался вопросом Гилман в New York Herald Tribune, — чтобы поставить ее выше унылой лебединой песни Чайковского?»

Возможно, заключил Гилман.Но «Франк», который композитор завершил в 1888 году, не сбивался.

«Что есть в структуре самой музыки, чтобы объяснить ее популярность?» Гилман задумался, сообщив об еще одном оползне в 1929 году, когда Франк превзошел Пятую пьесу Бетховена, Пятую и Шестую Чайковского и Первую пьесу Брамса. В 1924 году Гилман презирал «более чем случайную банальность и неполноценность его музыкального выражения», и хотя он признавал, что в нем было «незабываемо благородное отличие контуров и жестов», по его мнению, он не мог сравниться с великими.

Возможно, писал Гилман, «общественный вкус сам по себе является частью проблемы». Тем не менее, добавил он, «интерес и странность приговора остаются».

Тихий, искренний и более известный при жизни как органист и педагог, чем как композитор, Франк в этом году отмечает двухсотлетие со дня своего рождения. Но вряд ли американские оркестры принесут на торжество тот задор, с которым когда-то исполняли его единственную симфонию. В одной из самых странных историй в истории канона произведение, которое с 1920-х по 60-е годы пользовалось таким успехом, что Нью-Йоркский филармонический оркестр счел хорошей ставкой на то, чтобы заполнить стадион Льюисона жарким летним вечером, теперь почти отсутствуют в концертных залах.

«Есть много музыки, которая когда-то была очень популярна, а потом исчезла», — сказал в интервью дирижер Риккардо Мути. Мути записал Franck с Филадельфийским оркестром в 1981 году и был последним, кто руководил им в Карнеги-холле со своим Чикагским симфоническим оркестром в 2012 году. ‘Т понять.»

Сейчас трудно оценить степень успеха симфонии Франка, который не был ни мгновенным, ни кратковременным.Часть шквала произведений, в том числе «Прелюдия, хорал и фуга» для фортепиано, струнный квартет и соната для скрипки, а также его прощальные «Три хорала» для органа, которые появились в последнее десятилетие позднего расцвета карьеры его композитора, премьера состоялась в Париже в 1889 году.

Симфония, встреченная прохладно, десять лет ждала своего американского дебюта, спустя много времени после смерти Франка, в 1890 году. Исполнение Бостонского симфонического оркестра в апреле 1899 года также вызвало сомнения у критиков. The Boston Herald выразила сожаление по поводу его «утомительных повторений», но отметила «некоторое странное очарование, которое оно вызывает.The Boston Globe предположила, что это «рассчитано на то, чтобы понравиться больше образованному музыканту, чем обычному посетителю концертов».

Не совсем. В то время как симфония поддерживала устойчивый темп европейских выступлений, она взлетела в Великобритании и Америке, где Франк был отмечен как музыкальный представитель оккупированной Бельгии во время Первой мировой войны, как объясняет его биограф Р. Дж. Стоув. К началу 1920-х годов, когда тональная поэма Франка «Le Chasseur Maudit» и Симфонические вариации для фортепиано с оркестром также были основными продуктами, его симфония завоевала такую ​​репутацию, что ее место в репертуаре оставалось стабильным на протяжении десятилетий.

Разнообразие дирижеров, исполнявших Франка, позволяет предположить, что его долголетие отчасти объясняется его сверхъестественной способностью выдерживать множество интерпретаций. Состоящая из трех частей, она в значительной степени опирается на позднего Бетховена: она заимствует из Девятой симфонии мастера колоссально резкий момент перепросмотра в первой части и воспоминание о предыдущих темах в третьей, а ее вступительный мотив перекликается с финалом первой части. последний струнный квартет, три ноты, которые Бетховен назвал «Muss es sein?» («Должно быть?»).

Импровизационную структуру симфонии Франка и ее оркестровку часто описывали как органоподобную, что неудивительно, учитывая, что ее автор более трех десятилетий трудился на церковных службах в церкви Св. Клотильды, а после 1872 года был профессором органа в Парижской консерватории.

«Парящий лиризм, калейдоскопические модуляции и духовная глубина достигли беспрецедентных высот с Франком за органной скамьей», — написал в электронном письме Пол Джейкобс, который 29 марта начинает обзор органных произведений в Нью-Йорке.«Эти характеристики отразились и в других его произведениях, включая симфонию».

Помимо Бетховена явным ориентиром Франка в симфонии был Вагнер. Многие ученики Франка обожали вагнеровцев, но он был в противоречии. Дирижер Франсуа-Ксавье Рот, который руководит Франком с ансамблем Les Siècles в Париже в июне, сказал в интервью, что в симфонии «вы боретесь за изобретение или защиту своего рода французской музыки против музыки Вагнера».

Тем не менее, это был бой, в котором Франк позаимствовал у своего врага.Гилман, критик Tribune, однажды обвинил симфонию в том, что она «плачет сентиментальными хроматическими слезами, как бессильный Тристан».

Значит, это французская работа? Немецкий? Вершина романтизма? Контратака классицизма?

Записи показывают, что дирижеры ответили «все вышеперечисленное», и работа осталась невредимой, несмотря ни на что. Фуртвенглер сделал ставку на Вагнера; Герберт фон Караян и Юджин Орманди заглушили его звуками; Стоковски и Леонард Бернстайн играли с этим, и партитура их особо не волновала.Монтё, который еще мальчиком услышал премьеру произведения и которого так часто просили исполнить ее, что в 1949 году он сказал, что «до смерти устал» от нее, тем не менее исполнил ее с Чикагским симфоническим оркестром в 1961 году со своей типичной изящной энергией, оставив одна из лучших записей, когда-либо сделанных.

После открытия Монтё было больше выступлений и записей, особенно от дирижеров-франкофилов, но симфония так и не восстановила свою вездесущность. Нью-Йоркский филармонический оркестр исполнял его все, кроме двух календарных лет с 1916 по 1964 год, но с тех пор предлагал его только 12 лет — и ни разу с 2010 года, когда Мути был на подиуме.

Так куда девался Франк?

«В нее часто играли очень поверхностно, — сказал Мути, — поэтому я думаю, что в какой-то момент публике надоело».

Не только публика: Мути сухо добавил, что во время тура Чикагского симфонического оркестра с произведением в 2012 году он пришел к выводу, что «музыканты предпочитают другое».

Мертвая рутина — часть ответа, равно как и относительная простота произведения для оркестра, что может восприниматься как недостаток в эпоху, когда все больше внимания уделяется музыкальной сложности и виртуозности.Но ни рутина, ни прямолинейность не повредили другим боевым коням.

Проиграл ли он, когда его чемпионы ушли со сцены? Возможно, так было и в Бостоне. Чарльз Мунк, пламенный франкист, забрал с собой «Франкофилию» Бостонского симфонического оркестра, когда уезжал в 1962 году; Упадок Франка там соответствует расцвету Концерта Бартока для оркестра, бостонского заказа, который его более поздние дирижеры рекламировали как торговую марку, которой был Франк. Но Франк на самом деле, казалось, не зависел от узкого круга защитников, и ни одна работа не заменила его повсюду.

Еще одно распространенное предположение состоит в том, что духовность Франка — критик Олин Даунс описал медленную процессию с ее соло на английском валторне как «религиозную медитацию, не имеющую аналогов в музыке» — стала менее актуальной в более светскую эпоху, один в которому земные тревоги Малера и Шостаковича казались более подходящими. Но это не повредило Брукнеру.

Другая мысль может заключаться в том, что по мере того, как канон менялся вокруг него, Франку, казалось, было меньше что сказать в контексте.Конечно, у Франка были подражатели, но его симфония была чем-то вроде тупика. Показательно, что Пьер Булез, работавший в Нью-Йоркском филармоническом оркестре с 1971 по 1977 год, был его первым музыкальным руководителем после Малера, который не исполнял эту работу.

Берлиоза в стороне, Булез сделал влиятельный выбор, начав свой французский репертуар с Дебюсси, который некоторое время учился у Франка, но отдалился от влияния своего учителя, язвительно заявив в 1913 году, что Франк «не знает скуки», — и Равеля, который слышал в симфонии «смелые гармонии особенного богатства, но разрушительная нищета формы.

И если более новая музыка Сибелиуса и Стравинского отодвинула Франка в сторону — хотя и не совсем новая музыка, которую американские оркестры со временем стали играть все меньше, — прошлое также нанесло ответный удар. По словам оркестра, Бостонский симфонический оркестр исполнял Дворжака во второй половине своей истории в три раза чаще, чем в первую; Состояние Моцарта выросло почти так же резко.

Подобные факты отражают устойчивый консерватизм большей части оркестрового мира, и они затрудняют слишком настойчивые доводы в пользу возрождения Franck.Праведный призыв сейчас – разнообразить то, что играют ансамбли, во всех смыслах этого глагола. Неизбежно, что какие-то работы приобретут известность в процессе, а какие-то отойдут на второй план.

А если такова мораль сказки, то ладно. Взлет и падение симфонии Франка показывают, что канон может меняться — что канон может быть изменен.

Что случилось с Google Play Music?

Какое-то время Google Play Music был конкурентом популярных музыкальных потоковых сервисов, таких как Spotify и Apple Music.Конечно, он не мог составить достойную конкуренцию по количеству подписчиков, но это был альтернативный сервис для пользователей Google.

Если вы недавно пытались получить доступ к своему старому контенту из Google Play Music, возможно, вы заметили, что его там больше нет. Итак, куда оно делось?

Вот все, что вам нужно знать о том, что случилось с Google Play Music и куда пропал ваш контент.

Что случилось с Google Play Music?

В 2006 году Google приобрел YouTube в попытке выйти на рынок обмена видео.Пять лет спустя Google запустил Google Play Music в 2011 году. Кроме того, YouTube также запустил YouTube Music в 2015 году.

По данным USA Today, через пять лет, в 2020 году, у Google Play Music и YouTube Music вместе было 20 миллионов подписчиков.

Если сравнить это с более крупными музыкальными подписными сервисами, такими как Spotify (113 миллионов подписчиков), Apple Music (60 миллионов) и Amazon Music (55 миллионов), цифры оказались не такими, какими их хотела видеть компания.

Связано: теперь вы можете воспроизводить песни прямо из поиска в YouTube Music

Зная это, Google, вероятно, понял, что для него не имеет смысла иметь две конкурирующие службы потоковой передачи музыки, особенно когда эти две службы не так хорошо работали по отдельности.

Компания Google официально объявила о закрытии Google Play Music в 2020 году. Вот какую пользу это принесло YouTube Music.

Как YouTube Music выиграл от закрытия Google Play Music

После слияния Google Play Music и YouTube Music компания смогла сделать несколько шагов, в том числе консолидировать свою абонентскую базу и сосредоточить свои маркетинговые усилия на одном сервисе.Помимо этого, YouTube Music также выпустила множество функций для улучшения взаимодействия с пользователем в бесплатных, платных и поддерживаемых рекламой версиях.

Например, YouTube Music представила расширенную настройку списка воспроизведения. Вместо 1000 песен плейлисты на YouTube Music теперь могут содержать до 5000 песен.

Кроме того, вы можете иметь до 100 000 личных треков в своей медиатеке YouTube Music вместо ограничения Google Play Music в 50 000 треков.Как и в Google Play Music, подписчики YouTube Music также могут загружать музыку для воспроизведения в автономном режиме.

Кроме того, YouTube известен тем, что предлагает отличный связанный контент. С помощью того же алгоритма YouTube Music эффективно помогает подписчикам находить новых исполнителей и песни в своей огромной библиотеке из более чем 50 миллионов официальных треков и выполнять быстрый поиск в плейлисте.

По данным The Verge, в 2021 году у YouTube Music было более 50 миллионов подписчиков.YouTube Music стоит 9,99 долларов в месяц. Однако, если вам нужен доступ к видеоконтенту и YouTube Originals, вы можете платить 11,99 долларов США в месяц за YouTube Premium.

Куда делась моя музыка из Google Play?

Компания Google объявила о переходе с Google Play Music на YouTube Music за несколько месяцев до этого, в том числе о переносе всего своего контента на новую платформу. К сожалению, для тех, кто хочет получить доступ к своему контенту из Google Play Music после истечения крайнего срока, вам не повезло.

Связанный: Как воспроизводить музыку YouTube со смартфона через Bluetooth

В декабре 2020 г. прекратил работу Google Play Music. Кроме того, последний день, когда пользователи могли загружать или передавать свои данные из Google Play Music в YouTube Music, был 24 февраля 2021 года. После этой даты все данные из музыкальной библиотеки были безвозвратно стерты без возможности доступа к ним снова.

Во время перехода в Google Play был инструмент, который помогал пользователям перенести всю свою библиотеку, профиль и плейлисты в YouTube Music.К сожалению, это больше невозможно. Так что, если вы не воспользовались этим, вам придется начать заново с создания новой библиотеки в музыкальном приложении по вашему выбору.

Изучите основы YouTube Music

Как мы узнали из обновлений программного обеспечения наших смартфонов, нам не всегда нравятся изменения. Но через некоторое время мы можем привыкнуть к этому и иногда даже быть благодарными за новые функции.

Хотя Google Play Music, возможно, был основным продуктом для многих из нас в мире потоковой передачи музыки, YouTube Music является достойным преемником.Благодаря множеству новых функций YouTube Music может конкурировать со Spotify или Apple Music и даже может стать вашей новой любимой платформой для потоковой передачи музыки.

Так что, как и в случае с любой новой услугой, лучше изучить все изящные аспекты, которые может предложить платформа, прежде чем отказываться от нее и переходить к следующему варианту.

Новичок в YouTube Music? Как загружать музыку и управлять ею

Читать Далее

Об авторе

Сара Чейни (опубликовано 77 статей)

Сара Чейни — профессиональный внештатный писатель для MakeUseOf, Android Authority и KOINO IT Solutions.Ей нравится освещать все, что связано с Android, видеоиграми или технологиями. Когда она не пишет, обычно можно увидеть, как она печет что-нибудь вкусненькое или играет в видеоигры.

Более От Сары Чейни
Подпишитесь на нашу рассылку

Подпишитесь на нашу рассылку технических советов, обзоров, бесплатных электронных книг и эксклюзивных предложений!

Нажмите здесь, чтобы подписаться

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Закрыть
Menu