Как слушать музыку: Как правильно слушать музыку?

Как правильно слушать музыку?

Как правильно слушать музыку?

• Главная
• Полезные статьи
• Как правильно слушать музыку?

29 марта 2016

Все слушают любимые звуки по-разному. Кто-то в маршрутках и поездах. Кто-то любит работать в наушниках. А для кого-то любимые звуки – крики девушки о том, что нужно закручивать зубную пасту после чистки зубов. Но это у кого какой вкус.

Если для вас лучшая музыка – все-таки mp3 от известных музыкантов, то вы, наверное, уже думали о том, что они не зря расставляют песни в альбомах в определенном порядке. Да, в большинстве случаев порядок песен не случаен. Не касается это, например, синглов, где минимум композиций, и они просто представлены в разных вариантах – инструментальном, утяжеленном или замиксованном.

Самую соль можно почувствовать, только собрав весь пазл мелодий воедино под эгидой названия.

Оно обычно емко передает суть альбома или служит ключом для понимания идеи.

Ваш любимый музыкант не спал ночами, чтобы написать этот крутой текст. Он, срывая голос, записывал вокал. Он отвечал на скучные вопросы журналистов, чтобы они рассказали вам в своем материале о новом альбоме. Такое усердие стоит поощрить вниманием. Поэтому слушать музыку нужно в удобной, приятной, не отвлекающей обстановке.

1. Отведите время, соизмеримое с длиной альбома. Вас ничто не должно отвлекать, разве что кошка может придти к вам на колени. Но чаек должен быть уже давно заварен, а печенье куплено. Родственники и друзья должны либо безмолвно наслаждаться вместе с вами, либо оказаться где-то далеко.
2. Прослушивание должно быть приятно во всем. Если звук из колонок вас удовлетворяет – отлично. Но часто бывает, что в наличии только ноутбук, звук из которого можно сравнить со скрежетом консервных банок, прикрепленных к мчащемуся автомобилю. В этом случае лучше использовать наушники. Это даже лучше! Ведь большинство звуков окружающего мира к вам просто не пробьется.
3. Примите удобную позу. Сидя, лежа, в позе звезды на полу. Главное, чтобы все «фибры и чакры» души были открыты и настроены на аудиальные образы, которые создали музыканты. Таким образом, ваши ощущения и воображение будет лучше воспринимать и трансформировать музыку в интересные мысли или визуализации.
4. Включите музыку и закройте глаза. Теперь вы внутри мелодии. Просто упивайтесь ею.

Предзаказ

Предзаказ успешно отправлен!

Телефон *

Настоящим подтверждаю, что я ознакомлен и согласен с условиями оферты и политики конфиденциальности *

Добавить в корзину

Перейти в корзину

Обратный звонок

Запрос успешно отправлен!

Телефон *

Настоящим подтверждаю, что я ознакомлен и согласен с условиями оферты и политики конфиденциальности *

Читать онлайн «Как слушать музыку», Ляля Кандаурова – ЛитРес

Редактор Елена Аверина

Главный редактор «Альпина. Дети» и руководитель проекта Л. Богомаз

Корректор А. Кондратова

Компьютерная верстка О. Макаренко

Художественное оформление и макет Ю. Буга

Иллюстратор Э. Мугафарова

© Ляля Кандаурова, 2020

© Иллюстрации Эллис Мугафарова, 2020

© ООО «Альпина Паблишер», 2020

Все права защищены. Данная электронная книга предназначена исключительно для частного использования в личных (некоммерческих) целях. Электронная книга, ее части, фрагменты и элементы, включая текст, изображения и иное, не подлежат копированию и любому другому использованию без разрешения правообладателя. В частности, запрещено такое использование, в результате которого электронная книга, ее часть, фрагмент или элемент станут доступными ограниченному или неопределенному кругу лиц, в том числе посредством сети интернет, независимо от того, будет предоставляться доступ за плату или безвозмездно.

Копирование, воспроизведение и иное использование электронной книги, ее частей, фрагментов и элементов, выходящее за пределы частного использования в личных (некоммерческих) целях, без согласия правообладателя является незаконным и влечет уголовную, административную и гражданскую ответственность.

* * *

Для кого эта книга и как она устроена

Это не энциклопедия, не хрестоматия и не «музыка для малышей». Это руководство для тех, кто хочет слушать музыку так, как мы читаем книги: следя за сюжетом, узнавая новое, сопереживая. Главным образом, речь здесь пойдёт о музыке, которую принято называть «классической» – именно к ней слушателю обычно нужно подбирать «ключи». Но понятие «классика» не имеет чётких границ, поэтому с помощью этой книги можно слушать любую «умную» музыку – содержательную, глубокую, необычную – будь то джаз, электроника, рок или фолк.

Вы прочтете эту книгу легко, если у вас уже есть небольшой опыт слушания и интерес к музыке. В общем-то, этого достаточно. Уметь играть на инструменте, знать ноты, любить петь, конечно, полезно для грамотного слушателя – но совершенно не обязательно. Думаю, вам будет интересно почитать эту книгу вместе с родителями или рассказать им о том, что вы узнали. Часто даже взрослые не знают или забыли о многих вещах, которых мы коснёмся.

В книге пять частей: первая посвящена правилам хорошего слушателя, вторая – напоминание о том, зачем вообще мы слушаем музыку, третья расскажет об основных составных частях музыкального искусства, четвёртая – о его истории и прошлом, пятая – о настоящем и будущем. Совершенно не обязательно читать книгу в таком порядке – от корки до корки. Можно пользоваться ею как путеводителем, который мы открываем в той части незнакомого города, куда привели нас ноги и случай.

Идея слушать музыку по правилам кажется немного нелепой: ведь это – такая естественная, органичная человеку, интуитивно понятная вещь! Неужели слушание должно превратиться в упражнение, которое надо делать, следя за правильностью его выполнения, как в спортзале?

Конечно, нет. Музыка, которая сама находит к вам дорогу, захватывает вас и открывается вам без усилий, и должна восприниматься как нечто стихийное и волшебное – минуя рассудок и анализ.

Однако так мы услышим лишь ничтожно малую часть музыки: только ту, к которой привыкли, самую доступную и близкую. «Интуитивно понятная» музыка, для слушания которой не нужен навык, – это даже не верхушка айсберга, а снежная шапка на ее кончике. Под ней – терабайты звуковой информации, для постижения которой всё-таки нужен навигатор. Только представьте, какого количества красоты мы лишаемся, сводя музыкальное искусство к тому, что должно как-то само, без шагов с нашей стороны, доставить нам удовольствие!

Поэтому правила всё же нужны. То есть даже не правила, а скорее подсказки, напоминания для тех, кто хочет стать настоящим слушателем.

Правило первое… Не стройте границы

Как думает большинство? Существует «нормальная музыка». Простая, сильная, актуальная, понятная, увлекательная, с драйвом. Например, рэп или техно. И какая-то далёкая «классическая музыка»: консерватория, Моцарт в парике и красном камзоле, блестящий бок виолончели, алые розы на белом рояле, оперные певицы с нелепо раскрытыми ртами. Всё, что у нормального человека вызывает в лучшем случае скуку, в худшем – иронический смех.

Внимание: на самом деле нет «большой» и «малой» музыки. Нет музыки на каждый день и для специальных случаев, как выходной костюм (который на самом деле не носишь вообще никогда). Нет системы «высокое и низменное», где Моцарт располагается выше, чем, например, любимая панк-команда. Нет правила, согласно которому музыку в одном случае надо слушать, подпевая и прыгая, а в другом – сидя на стуле со значительным лицом.

Музыка может быть простой и сложной – это факт. Она может быть элементарно устроена (и это не значит, что она плохая), а может быть невероятно замысловатой. Может быть вульгарной и изысканной. Может быть популярной или странноватой, «не для всех».

Главное – все эти эпитеты могут касаться и так называемой классики, и всей остальной музыки. Разделение на стили полезно разве что в музыкальном магазине – чтобы знать, на каком стеллаже найти нужную пластинку. Впрочем, и тогда задаёшься вопросами: почему этот артист попал в «рок», а не в «поп»? Почему этот – в «электронике», а не в «классике»? А этого кто поставил в «классику» – ведь это чистый поп?

Вопрос: То есть между стилями нет разницы?

Она, безусловно, есть. У каждого стиля – свой набор примет. Если бы понятий «рок», «поп», «классика», «рэп», «электроника» и других не было, мы бы потерялись в музыкальном разнообразии. Но не стоит увлекаться классификацией. Эти маркеры – просто ориентиры, полюса, к которым тяготеют музыкальные явления. Важно помнить, что:

■ Во-первых, бессчётное количество музыкантов, композиторов и феноменов балансируют на границе классики и рока, или классики и попа, или классики и электроники. Их с равным успехом можно отнести в одну и другую сторону.

■ Во-вторых, каждая музыкальная стилистика богата и сложна. Она регулируется своими законами, связана со своей культурой, имеет свою историю и мифологию, своих героев и шедевры, свой сор и жемчужины, свои механизмы понимания и слушания. Не надо считать, будто какое-то направление привилегированнее и аристократичнее другого. В классической музыке нет ничего «элитарного», она не выше и не ниже, не скучнее и не интереснее, чем любая другая. Это гигантское художественное поле с многовековой историей. Здесь одно покажется вам скучным, а другое – безумно захватывающим: чтобы разбираться, нужно знать и слушать, накапливая опыт. Точно так же, как, например, в рэпе.

■ В-третьих, музыка, которую принято называть «классической», бесконечно разнообразна. Если вы сравните итальянский мадригал XVII века с французской электронной пьесой 50-х годов ХХ века, вам покажется, что это не просто разные стили, но вообще разные виды искусства. Да, есть классическая музыка, которая действительно требует важной сосредоточенности и неподвижности. Есть та, которую слушают стадионами, под свист и хот-доги. А ещё есть «классические» джем-сейшны (совместные импровизации неограниченного количества музыкантов). А ещё – перформансы с видео, светом и участием публики. Там, где вы отъедините «классику» от живого, азартного, жадного слушания, на которое вы безусловно способны (у вас же есть любимая музыка?) – там и пройдет ваша собственная граница. За ней останется то, что вы отказываетесь узнать и испытать. Это обедняет, и это очень глупо.

Ещё вопрос: Но всё-таки, что за «набор примет» отличает классику от неклассики?

Если вам всё же нужна воображаемая граница, можно руководствоваться такими критериями:

■ Классическая музыка обычно исполняется на стандартном наборе акустических музыкальных инструментов – фортепиано, струнных (скрипки, альты, виолончели, контрабасы, арфы), духовых (флейты, гобои, кларнеты, фаготы, трубы, валторны, тромбоны, тубы) и ударных (литавры, тарелки, барабаны, колокола, ксилофон, треугольник, бубен, кастаньеты и др.)

Но бывает, что в состав оркестра вводится саксофон, электрогитара, гранёные стаканы, пистолет, кусок пенопласта, ударная установка и магнитофонная плёнка – и такое происходит чаще, чем вам кажется. А бывают еще барóчные оркестры, играющие старинную музыку: в их составе может оказаться гамба (предок виолончели), теорба (басовая лютня – щипковый музыкальный инструмент) или виоль д’амур (предок альта).

https://www.youtube. com/watch?v=3531lz3iBWA

■ Классическая музыка обычно пишется в характерных жанрах: опера, симфония, соната, цикл миниатюр и др., которые так и озаглавлены: «Симфония № 1», «Соната № 29» и т. д.

Но бывает, что сочинение называется «Terretektorh», или «Октандр», или «Циркулирующий океан», и вообще не принадлежит никакому жанру.

■ У классического сочинения обычно есть композитор, который создаёт авторский текст, записанный

нотами или с помощью нот и каких-то инструкций.

Исполнители потом могут по-разному интерпретировать этот текст.

Но бывает, что никакого текста нет вообще и сочинение представляет собой, например, совместную импровизацию нескольких музыкантов. Или один раз фиксируется на магнитофонной плёнке и существует в этом виде, как написанная маслом картина – потому что состоит из голосов, шагов, хлопанья дверей и звяканья посуды.

 

■ Классическая музыка обычно устроена сложно. В ней многокрасочная, неожиданная гармония, ритм уходит от примитивной повторности и «квадратности», множество событий происходят в единицу времени, создавая многослойный, прихотливо устроенный текст.

Но бывает, что музыка представляет собой красивую нехитрую мелодию под нежный перебор аккомпанемента или звучит как поток шума, у которого вообще нет гармонии и ритма. Или же это три ноты, которые повторяются тысячу раз, словно заклинание.

■ Классические сочинения обычно длятся долго:

опера идёт два-три часа, симфония – около 45 минут.

Но бывает, что опус (то есть одно сочинение)

состоит из пяти треков, примерно по пятьдесят секунд каждый.

■ Классическая музыка не развлекает. Она обращается к Большим Темам: ворочает сложными абстракциями, рассуждает о времени и истории, о «я» и «не-я», о любви и смерти, хаосе и предопределении.

Но бывает, что оперные либретто (то есть сюжеты) описывают легкомысленные, фривольные, а иногда откровенно непристойные события и ситуации, или сочинение называется «Лизни меня в зад».

Если в произведении сочетаются хотя бы несколько из этих условий, то можно с некоторой вероятностью утверждать, что оно принадлежит классической музыке. Но гораздо проще слушать много и внимательно, с удовольствием и любопытством, в разных стилях и областях. И таким образом тренировать свой вкус и память, набирать опыт слушателя. В конечном итоге любая музыка, которую вы готовы слушать цепким требовательным ухом, прочитывая и анализируя, откроется вам во всей глубине и сложности и захватит вас.

Правило второе… Не слушайте музыку фоном

…Если, конечно, вы хотите в ней разобраться. По той же причине вам не придёт в голову в фоновом режиме смотреть кино, разглядывать картину или читать роман. Это касается абсолютно любой музыки, которую вы хотите «прочесть» и испытать тем самым «требовательным слухом», о котором мы говорили выше. Найдите время и посвятите ей всё своё внимание – конечно, если считаете, что именно этой музыке есть, что рассказать вам. Это немного проще сделать, если вы слушаете музыку на физическом носителе. Представьте: вы потратили время на поиск и выбор, например, виниловой пластинки, вложили деньги в её покупку. И вот вы пришли домой, распаковали конверт, держите довольно крупный, требующий осторожного обращения предмет (а в некоторых случаях он ещё и «намагничен» историей). Наверняка тогда вы проникнетесь уважением к церемонии слушания музыки. Однако если вы слушаете mp3 в наушниках, внимательное «прочтение» тоже возможно: пусть на ходу, в дороге, во время прогулки, – но поместите музыку в центр вашего внимания, не выполняя параллельно никаких действий, более сложных, чем ходьба.

Вопрос: А если мне нравится делать уборку под Шуберта?

Прекрасно! Читать, работать, убирать в квартире, тренироваться, вести машину, готовить, есть и засыпать под музыку, действительно, очень приятно. Существует масса музыки (во всех стилях и жанрах!), настраивающей на отличный рабочий, тренировочный, сонный и пищеварительный лад. Но слушанием музыки это не называется. По-настоящему воспринять и проанализировать то, что вы слышите, у вас не получится. Понять свою реакцию на это – тоже.

Правило третье… Знайте, что за музыку вы слушаете

Это может показаться забавным, но множество людей, оказываясь на концерте, говорят потом, что ходили «на Гергиева» или, хуже того, «на скрипку». Представьте, что вы читаете книгу, не зная ни её названия, ни автора, ни времени, которому она принадлежит, ни языка, на котором написана в оригинале. Или что вы пришли на выставку и долго рассматриваете картины, не уточняя, кем, когда, в какой стране и при каких обстоятельствах они написаны. Согласитесь: вряд ли кому-то захочется потратить время подобным образом! Не допускайте такого, очутившись на концерте. Обязательно уточните, что исполняется, в каком порядке, из скольких частей состоит, когда начинается и заканчивается. Вам будет гораздо интереснее слушать, если вы будете понимать структуру сочинения и помнить, кем оно было создано. Посмотрите на фотографию или портрет композитора, узнайте, когда он жил и какое место занимает в музыкальной истории. Иногда такая информация приводится в программке или буклете, но ее очень просто узнать самостоятельно.

Как слушать музыку

Вполне возможно, что я никогда не смог бы закончить «Моби Дика» в свои двадцать с небольшим, если бы не песня Guns N’ Roses «Ноябрьский дождь». Выпущенная в 1991 году, когда я был подростком, открытым для всего, что предлагало MTV, «November Rain» была одной из многих необычно длинных песен в двухтомнике «Use Your Illusion» лос-анджелесской рок-группы. В то время я привык к песням, которые долго не задерживались, достигая максимума, как правило, четырех или пяти минут. Во многом благодаря великолепно раздутому видео я нашел все девять минут «Ноябрьского дождя» захватывающими. Я понятия не имел, что означает лирика песни, и действительно ли ее драматизм оправдывает ее щедрое построение. Но это была первая песня, которая мне понравилась, которая могла бы стать саундтреком к моей поездке в школу или к тому времени, когда я пробежал пять кругов. Возможно, это случилось бы в любом случае, но «Ноябрьский дождь» оказался песней, которая подготовила меня к удовольствиям экстравагантно долгих, захватывающих переживаний. Прежде чем я смог представить себе, как продираюсь через шестисотстраничные романы, кино с испытаниями на выносливость или часовые джазовые сюиты, я сначала полюбил мощную балладу, полную внутренних обходных путей, фальшивых концовок и эпических соло, а также музыкальное видео, подчеркнутое мужчина ныряет в свадебный торт.

Многие из нас впервые начинают наслаждаться искусством именно таким образом, не как набором канонов или жанров, которые нужно освоить, а как паутиной глубоко личных ассоциаций: сродств и фобий, отголосков во времени и пространстве, которые разрешаются только в самых идиосинкразических пространства вашего разума. Это тема «Каждой песни на свете», размышления критика Бена Рэтлиффа о прослушивании музыки «в эпоху музыкального изобилия». Рэтлифф был джазовым и поп-критиком в New York Times почти двадцать лет, и вполне вероятно, что самые радикальные изменения, которые произошли в музыке за этот период, коснулись не стиля или вкуса, а скорее того, как мы ее потребляем. Рэтлифф отстаивал эзотерические звуки во время своего пребывания в Times , но эта книга, в отличие от его предыдущих книг о джазе, затрагивает распространенную современную тревогу: как нам сориентироваться в то время, когда вокруг слишком много всего?

То, что предлагает «Every Song Ever», — это не набор критических указов, а зрелище активного ума, обрабатывающего мир в постоянном движении. Книга частично вдохновлена ​​идеей, популяризированной классиком Аарона Копленда «Что слушать в музыке», о том, что музыку можно оценивать в соответствии со стандартными показателями ритма и структуры тона. «Старый способ «правильного» слушания, — объясняет Рэтлифф, — включал своего рода «предварительную подготовку»: «Определенный язык ритмов и гармоний, указателей и подсказок стал общепринятым в культуре». Но тот прошлый век понимания музыки, помимо того, что не доставлял удовольствия, предполагал своего рода конечность — он предполагал границы. Таким образом, прослушивание музыки было религиозным, часто самодостаточным актом. По крайней мере, эта старая идея предполагала, что у нас есть время или желание постоянно, без отвлечения внимания, погружаться в одно музыкальное произведение. Это уже не тот мир, в котором живет большинство из нас. За стоимость компакт-диска (или меньше) у нас есть доступ к почти бесконечному количеству музыки в почти бесконечном множестве мест. Восприятие музыки в 2016 году означает, что вы будете контролировать свою поездку на работу или прогулку на урок, проигрывать песню сто раз, не останавливаясь, чтобы внимательно изучить текст.

Вполне возможно, что теперь, когда она вездесуща, вплетена в каждый момент нашей жизни, мы еще сильнее привязаны к музыке, чем тогда. Но эпоха бесконечных списков воспроизведения также означала распространение алгоритмов, разработанных для того, чтобы дать нам именно то, что делает нас удобными. Желание сопротивляться этим современным силам предобусловливания оживляет книгу Рэтлиффа. Он разделен на двадцать способов обработки песни, многие из которых — например, «громкость» и «плотность» — открыты и довольно интуитивны. Песни во времени и пространстве группируются вокруг этих заголовков, что приводит Рэтлиффа к размышлениям, например, об измененных зонах, с которыми мы сталкиваемся, когда погружаемся в «повторяющуюся» музыку, или о том, как «импровизация» меняет наше ощущение мира по мере того, как она является. Есть глава о «виртуозности», которая варьируется от Сары Вон и Арта Тейтума до видеороликов на YouTube, где дети играют на электрогитарах. Другой касается очень длинных песен — намного длиннее «Ноябрьского дождя» — и того, как они искажают наше понимание того, что понятно. «Суть в том, что музыкального массива больше, чем глаз может увидеть на полке, чем ухо может воспринять за один цикл памяти», — пишет Рэтлифф. «Это не сводится к песне или альбому. Это отношения». Один из самых захватывающих разделов книги посвящен тому, как исполнители используют безразличие или сознательное подавление своих талантов — это подмигивание, которое происходит, например, когда рэпер, такой как Лил Уэйн, «плавит концы своих слов». ” По словам Рэтлиффа, такие ходы вызывают «кажущуюся невозможной мысль: что художнику даже не нужна публика или что он оказался перед ней случайными обстоятельствами».

Состояние цифровой бесконечности, которое мы сейчас воспринимаем как должное, возложило особое бремя на написание музыки. Прошло много времени с тех пор, как я читал музыкальную критику, чтобы узнать, хорош ли новый альбом или исполнитель или нет. Достаточно легко бросить иглу (теперь вошедшую в поговорку) и выяснить это самому. Мне гораздо интереснее читать о том, как критики слышат: что они слушают, их желания и особенности, мир, который оказывается для них в фокусе, когда проигрывается пластинка. Некоторые из самых интригующих глав Рэтлиффа размышляют о качествах, которые стали казаться нормальными и желательными, но по неясным причинам. Например: есть ли цель для скорости? Не в танцевальной музыке, а как подход к исполнению — скажем, в маниакальном соло «Salt Peanuts» или в хардкорном нападении D.R.I. Для Рэтлиффа скорость — это демонстрация, отношения. «Это по своей сути не увеличивает и не усиливает ощущения от самих нот или физического удовольствия слушателя», но ставит слушателя в определенное место: «Это представляет собой молчаливый контракт между исполнителем и слушателем: мы находимся в этом состоянии». вместе, и это может закончиться ничем».

Еще один его вопрос: что делает песню грустной? Это «фантомное качество» знания, где заканчивается история любой песни после того, как сессия закончилась и все разошлись по домам? Есть, конечно, блюзовые ноты, а есть песни, ставшие синонимом трагедии их замысла. Но так ли печален хэви-метал? Возможно, как красиво утверждает Рэтлифф, задумчивая агрессия металла скрывает более глубокую меланхолию. «Панк — это уличная шумиха, журналистика, догма, ответственность, единство и гуманитарные науки. Металл — это и виртуозность, и философия, и характер, и слухи, и мизантропия, и наука». Именно эти случайные проблески собственной идиосинкразической реакции Рэтлиффа на музыку являются лучшими моментами книги. Глава о «медленности» начинается с того, что он возится с компьютерной программой, которая позволяет пользователям замедлять песни до зловещей тины. Глава варьируется от покойного DJ Screw, прославившегося своими ремиксами на хип-хоп и R.&B. треки, до смертельно опасного ползания, до грязной «stoner doom» группы Sleep. «Медленность в музыке вызывает взаимность: слушателю хочется заполнить пространство своим содержанием, будь то ассоциации, движение или эмоциональный отклик».

Это понимание может помочь объяснить, как работает сама книга. «Звуки опережают наш словарный запас для их описания», — утверждает Рэтлифф, и это чувство дезориентации — «незнание того, какой процесс создает какие звуки» — стало неотъемлемой частью прослушивания поп-музыки. Возможно, через несколько лет мы научимся лучше понимать все сразу, превратив «Every Song Ever» в причудливую редкость ушедшей эпохи. Но это, кажется, точка зрения Рэтлифа. Книга извивается и музирует, предоставляя читателям достаточно места, чтобы задуматься о своих собственных навязчивых идеях, остаться двойственным в вопросах жанра или истории и вместо этого придерживаться своих собственных глубоко личных и гораздо более совершенных систем классификации. Лучше всего думать о «Every Song Ever» как о серии настроений и провокаций, а не как о книге, которую нужно читать насквозь. Каждая из глав, кажется, растворяется, исчезает, каждый раз заканчиваясь списком воспроизведения, подходящим способом справиться с головокружением, вызванным изобилием. То есть: вам не нужно обрабатывать все это, если вы этого не хотите. Вы можете просто гоняться за чем угодно, пока не почувствуете желание гоняться за чем-то другим.

Как слушать музыку: 10 способов слушать как музыкант

Как слушать музыку: 10 способов слушать как музыкант

Опубликовано 17 июня 2020 г.

Общее , Статьи с инструкциями , Музыка 101 , 10 лучших советов и фактов
Теги: активное слушание, эстетическая оценка, как слушать музыку, как слушать музыку как музыкант, научиться слушать музыку, научиться слушать музыку как музыкант, музыка

Нет ничего лучше музыки, которая поднимает нам настроение, создает связь между нами, возвращает старые воспоминания или вызывает катарсис. Но что такого в некоторых песнях, которые могут вызвать эти разные чувства?

Если мы научимся слушать музыку, как музыканты, мы сможем не только начать отвечать на этот вопрос, но и развить более глубокую связь с нашими любимыми песнями, научиться распознавать и ценить музыкальный гений на его собственных условиях и относиться к жанрам это может быть менее знакомым или даже совершенно новым для нас.

Вот 10 вещей, которые следует учитывать при прослушивании музыки, которые помогут расширить ваш интеллектуальный и внутренний опыт, укрепить вашу связь с музыкой, которую вы любите, и вдохновить вас на изучение новых звуков:

1.

Тон, настроение и ощущения :

Какие чувства у вас вызывает эта песня? Оно радостное, грустное, злое? Ощущается ли оно торжествующим, нежным, умоляющим или спокойным? Заставляет ли это вас вставать и танцевать или, скорее, сидеть в одиночестве и размышлять? Здесь нет правильных или неправильных ответов. Что мы хотим сделать, так это начать с того, что музыка заставляет вас чувствовать, а затем попытаться понять, почему она это делает.

2. Движение и развитие:

Песня заставляет вас чувствовать себя более или менее одинаково на протяжении всего произведения или ваши чувства меняются от начала к концу? Нарастает ли она интенсивность или меняет свой характер? Изменения происходят постепенно или внезапно? Эти и подобные им вопросы могут помочь вам обрисовать в общих чертах историю, которую пытается рассказать песня, и помочь превратить песню во что-то более конкретное.

3. Ритм и время:

Музыка сама по себе, в отличие от визуального и иногда осязаемого аккомпанемента, такого как ноты, виниловые пластинки и выступления, представляет собой чисто слуховой опыт. Он не занимает места, только время. Понимание того, как песня связана со временем и организует его, необходимо для понимания самой песни. Паттерн размещения звуков во времени известен как ритм . Как единственный обязательный элемент всей музыки, он представляет собой удобную отправную точку для анализа.

Основной единицей времени является ударов , которые можно найти, нажав ногой на песню. Насколько быстро или медленно движется этот ритм, зависит от темпа . Как правило, «умеренный» темп подобен темпу ходьбы или темпу сердцебиения человека, но, конечно, темп может быть намного быстрее или медленнее. Доли можно комбинировать и разделять в различных ритмических паттернах, и ударение может ставиться на разных слогах этих паттернов. Это то, что обычно называют метр . В большей части западной музыки эти паттерны регулярны, независимо от того, слушаете ли вы венский вальс, громкий бас электронной танцевальной музыки, хип-хоп или оперу в стиле барокко. Когда этих паттернов не существует и когда нет заметного ритма, можно сказать, что музыка находится в свободном времени. Это характерно для старой вокальной музыки, такой как григорианское пение, а также в более современных стилях, таких как фри-джаз и нойз, а также широко используется в классической музыке хиндустани, сефардской еврейской музыке и психоделическом роке.

При прослушивании музыки сначала прислушайтесь к ритму. Есть ли один? Он движется быстро или медленно? Ты слышишь счетчик? Появляются ли определенные ритмические паттерны снова и снова? Где ударные акценты? Есть ли неожиданные стрессы? Как разные ритмические паттерны связаны друг с другом и наложены друг на друга? Изменяются ли они в разных частях песни? Как эти изменения влияют на общее впечатление от песни и истории, которую она рассказывает?

4. Мелодия:

Мелодия сочетает в себе высоту тона и ритм в линейной последовательности нот, которые слушатель воспринимает как единое целое. Как линия переднего плана музыкального произведения, это часто самый узнаваемый элемент песни. Когда кто-то просит вас спеть «Happy Birthday», последовательность нот, которые вы пропеваете, и есть мелодия песни. То же самое касается детских стишков, поп-песенок и Бетховена.

При прослушивании музыки найти мелодию. Легко ли определить или сложнее следовать? Много разных заметок или мало? Звуки в основном высокие или низкие, или они много прыгают? Мелодия возвращается снова и снова? Когда он возвращается, он остается прежним или несколько меняется?

5. Гармония:

Гармония — это совокупность нот, сыгранных в любой момент времени. Если вы остановите песню в любой точке и поддержите эту единственную точку в песне, вы услышите стопки нот, образующих гармонию.

Когда вы слушаете гармонии песни, как они звучат? Они счастливы или грустны? Чувствуют ли они себя успокоенными или беспокойными, или они дают вам ощущение, что они вас куда-то ведут? Используемые ноты звучат так, как будто они все принадлежат друг другу или нет? Вы слышите только одну строчку мелодии, или разные голоса или инструменты также играют одну и ту же мелодию или играют разные мелодии, которые переплетаются с первой мелодией? Если имеется более одной мелодической линии, движется ли она в том же направлении, что и основная мелодия, или от нее? Меняются ли эти гармонии на протяжении всей песни?

6.

Цвет:

Также известный как тембр , цвет тона представляет собой воспринимаемое качество звука музыкального звука. Это сочетание психоакустических элементов, из-за которых определенные инструменты звучат по-разному, даже если они играют на одной высоте. Проще говоря, это то, что позволяет нам понять, что мы слышим пианино, трубу или флейту. Обычно для описания тембра мы используем такие слова, как «яркий», «темный», «теплый», «металлический» и другие.

Когда вы слушаете песню, обратите внимание на инструменты, выбранные композитором. На каком инструменте звучит мелодия и какое настроение она придает произведению? Мелодия переходит от одного инструмента к другому? Как на инструменте играют для получения определенного звука (например, скрипка смычковая или щипковая)? Если имеется более одного инструмента, какие еще инструменты используются? Является ли это сочетание знакомым или более необычным, и если последнее, то какой эффект это дает?

7. Текстура:

Текстура описывает общее качество звука в песне, определяемое тем, как в ней сочетаются мелодии, гармонии, ритмы и тембры. Обычно мы думаем о текстуре как о количестве частей в песне и взаимосвязях между ними. Сложность этих взаимосвязей определяет толщина или плотность текстуры.

Существует 4 распространенных типа текстуры: монофоническая, полифоническая, гомофонная и гетерофонная. Однотонный 9Текстура 0006 существует, когда есть только одна мелодическая линия, которую играет один музыкант или несколько музыкантов, играющих в унисон. Полифоническая текстура состоит из двух или более независимых мелодических линий. Известные примеры — это раунды, которые часто поются школьниками на такие мелодии, как «Мерцай, мерцай, звездочка» или «Братец Жак», а также много музыки эпохи Возрождения и барокко. Гомофоническая текстура , с другой стороны, имеет первичный мелодичный голос, который выделяется на фоне фонового аккомпанемента. Это наиболее распространенная текстура во всех жанрах западной музыки от классического периода до наших дней. Heterophonic текстуры состоят из нескольких исполнителей, играющих одну мелодию одновременно, каждый из которых добавляет свои тонкие вариации. Это распространено в музыке барокко, где вокалист и сольный инструмент могут вместе следовать одной и той же мелодической линии, но один из них будет более украшен, чем другой. Это также распространено в некоторой музыке Индии и Африки, а также в некоторых видах джаза.

Слушая музыку, попытайтесь понять, какую из четырех текстур демонстрирует песня. Это остается неизменным на протяжении всей песни? Если песня гомофонная, как ведет себя аккомпанемент? Имитирует ли он ритм мелодии? Являются ли аккорды аккомпанемента ударными и длительными, повторяются много раз подряд или играются как отдельные движущиеся ноты? Слышите ли вы более одной мелодии, будь то основная мелодия, которую имитируют новые инструменты, или новые мелодии, исполняемые другими инструментами? Как взаимодействуют разные мелодические линии? Сколько различных частей вы можете услышать? Сгруппированы ли они вместе вокруг одних и тех же полей или поля разбросаны в широком диапазоне?

8. Форма:

Музыкальная форма обозначает общую структуру композиции. Это карта, которая описывает составные части произведения и порядок их появления. Каждая секция представляет собой законченную, но не самостоятельную музыкальную идею, такую ​​как куплет, припев и проигрыш вашей любимой поп-песни.

Когда мы описываем музыкальные формы, мы делаем это, обозначая каждую отдельную часть буквой, а затем упорядочивая буквы в соответствии с тем, как части появляются в музыкальном произведении. Представьте, например, поп-песню, в которой первый куплет переходит к припеву, ко второму куплету, обратно к припеву, к проигрышу, а затем снова к припеву. Стих будет помечен как раздел А, потому что он появится первым. Рефрен будет помечен как раздел B, потому что он второй. Второй куплет, однако, не является разделом C, потому что он музыкально такой же, как первый куплет, поэтому он появляется в форме как еще один куплет A. Однако есть вероятность, что слова второго куплета другие, поэтому мы можем обозначить что, пометив раздел как A ‘(простой), чтобы показать, что он очень похож на раздел A, но с важным отличием. Тем не менее, бридж в этой конкретной песне имеет мелодию и последовательность аккордов, отличную от куплета и припева, поэтому он становится нашей третьей частью, которую мы обозначаем как C. Таким образом, структура песни, применяемая к этой песне, будет ABA ‘. BCB, где A — каждый куплет, B — каждый рефрен, а C — переход.

Музыкальный каталог Йельского университета включает более 70 музыкальных форм в базовый глоссарий музыкальных терминов. Вместо того, чтобы учить все это, научитесь слушать разделы, составляющие произведение, и соединяйте их вместе, чтобы услышать архитектуру во время прослушивания. Вы слышите тот же ритм и текстуру, что и раньше? Затем вы, вероятно, слышите повтор фрагмента. Если вы слышите изменения в любом из этих элементов, вы, вероятно, слушаете новый раздел.

9. Музыкальная память:

Когда вы слушаете песню и думаете о различных элементах, перечисленных выше, подумайте о том, где вы могли слышать подобную мелодию, ритмический рисунок, определенный инструмент или набор инструментов или последовательность аккордов. Это произошло раньше в песне? Если это так, возможно, вы слышите повторяющийся раздел или вариацию на тему. Эта песня напрямую цитирует другую песню? Звучит ли инструмент иначе, чем вы обычно ожидаете, скажем, от рок-группы или струнного оркестра? Когда вы слушаете последовательность аккордов в песне, звучит ли она похоже на ту, которая использовалась в другой песне, которую вы слышали?

Когда вы начнете создавать свой собственный внутренний каталог этих элементов, вы начнете слышать, как раскрываются связи между художниками, жанрами, периодами времени и культурами.

10. Контекст:

Кто написал музыкальное произведение? Когда он был написан и в каком контексте, как с точки зрения собственной жизни композитора, так и с точки зрения среды, в которой он жил? Какая еще музыка писалась в то же время? Какое еще искусство создавалось?

Хотя ответы на эти вопросы не являются обязательными для прослушивания или получения удовольствия от любого музыкального произведения, это может помочь сделать прослушивание более приятным и помочь вам укрепить свою музыкальную память для прослушивания в будущем.